Há filmes que entram por nós dentro e não saem mais. “A voz de Hind Rajab” é um deles. Nomeado para o Óscar de Melhor Filme Internacional, esta longa-metragem constrói-se sobre a interseção entre o real e a encenação ficcional, entre a voz de uma criança que morreu e os rostos de atores que mostram o outro lado, de quem tenta ajudar.

O filme abre com a reconstituição do trabalho quotidiano dos voluntários do Crescente Vermelho na Cisjordânia. É nesse contexto que conhecemos Omar A. Alqam, interpretado por Motaz Malhees, um dos voluntários que atende a chamada de uma criança de seis anos escondida num carro na Faixa de Gaza, rodeada pelos cadáveres da sua família.

O que se ouve a seguir é real. Os fragmentos de áudio de Hind Rajab, é esse o nome da criança, foram preservados e integrados no filme. Neles, escuta-se a voz de uma menina desesperada, em sofrimento profundo, incapaz de dizer muito mais do que “Venham buscar-me” e “Estou com medo”.

Do lado encenado da linha telefónica, a Omar junta-se Rana, outra voluntária do Crescente Vermelho, que fala com Hind com o objetivo de a distrair de um cenário horrendo. Pergunta-lhe o nome da escola, “Infância Feliz”, responde a criança. Depois, qual a sua cor preferida. A resposta que chega é a mais crua e inesperada de uma criança: “Não gosto de nada.” O olhar de Rana diz o que as palavras não conseguem.

Para que uma ambulância chegue ao local, uma viagem de apenas oito minutos, é necessária a autorização do Exército Israelita. Essa negociação é tratada por Mahdi M. Aljamal, numa das cenas mais tensas do filme. Perante a angústia de Omar, que exige ação imediata, Mahdi mostra-lhe um quadro com os rostos de voluntários do Crescente Vermelho mortos em missões anteriores. Não pode deixar morrer mais ninguém.

As horas passam. Omar vai apontando na parede os minutos da chamada: com o número oito em destaque, depois “+60”, depois “+120”. O tempo torna-se físico, visível, insuportável.

O desfecho, já do conhecimento público, não atenua o impacto. Quando a rota é finalmente aprovada e os voluntários se aproximam do carro, ouvem-se tiros. A chamada cai. A equipa de salvamento morreu. Hind também.

A realizadora Kaouther Ben Hania revelou que se encontrava a trabalhar noutro projeto quando, numa escala em Los Angeles, ouviu pela primeira vez a gravação de Hind Rajab. “Entrei em contacto com o Crescente Vermelho e pedi para ouvir o áudio completo. Tinha cerca de 70 minutos, de uma dureza devastadora. Depois de o escutar, soube, sem qualquer dúvida, que precisava de abandonar todos os outros projetos. Eu tinha que fazer este filme”, diz em entrevista ao Screen Daily.

Na cerimónia dos Óscares, o realizador norueguês Joachim Trier, ao receber a estatueta dourada de Melhor Filme Internacional, parafraseou o escritor James Baldwin, “que nos lembra que todos os adultos são responsáveis por todas as crianças, e não vamos votar em políticos que não levam isto a sério”.

Hind deixa-nos com uma sensação pesada de falha coletiva. Numa das cenas do filme, quando os áudios de Hind são partilhados nas redes sociais e se tornam virais, Omar comenta, amargamente, que as redes já estão cheias de corpos de crianças, uma referência direta à banalização da violência nos ecrãs que habitamos todos os dias.

É precisamente isso que este filme nos pede para abandonar: a indiferença anestesiada do scroll infinito. Pede-nos que olhemos, de frente, com a máxima empatia, para o que aconteceu. E que reconheçamos que a única coisa que nos separa de Hind Rajab é a sorte geográfica de termos nascido onde nascemos.

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Santa Sé reúne nomes como Brian Eno, Patti Smith, Carminho e Ilda David’ na Bienal de Veneza. O Vaticano convidou 24 artistas internacionais — entre músicos, compositores, poetas e criadores visuais — para integrar o seu pavilhão na 61.a Exposição Internacional de Arte, que decorre entre maio e novembro, propondo uma “oração sonora” inspirada em Santa Hildegarda de Bingen. Entre os destaques portugueses, Ilda David’ apresentará obras inspiradas na mística medieval, enquanto Carminho volta a colaborar com o universo ligado ao cardeal Tolentino Mendonça.

Polícia australiana investiga alegação de agressão sexual de Katy Perry após denúncia de Ruby Rose. A atriz australiana acusa a cantora de um alegado abuso ocorrido em 2010, num espaço noturno em Melbourne, e as autoridades do estado de Victoria confirmaram a abertura de uma investigação a um caso de “agressão sexual histórica”. Sem avançar detalhes por razões de confidencialidade, a polícia indica que o processo está em curso e que não será feito mais nenhum comentário nesta fase. A equipa de Katy Perry já rejeitou as acusações, classificando-as como “falsas e perigosas”, enquanto Ruby Rose afirma ter formalizado a queixa quase duas décadas depois dos factos, sublinhando o impacto duradouro do trauma.

Cantor d4vd detido nos EUA por suspeita de homicídio de adolescente desaparecida. O músico norte-americano, de 21 anos, foi detido em Los Angeles no âmbito de uma investigação à morte de Celeste Rivas Hernandez, de 14 anos, cujo corpo foi encontrado em setembro dentro de um veículo associado ao artista. Segundo a polícia, o caso será agora remetido ao Ministério Público, enquanto a defesa nega qualquer envolvimento e sublinha que não foi formalmente apresentada acusação. A investigação continua em curso.

Victoria e David Beckham reagem pela primeira vez às acusações do filho Brooklyn. Victoria Beckham afirmou que ela e David Beckham sempre tentaram “ser os melhores pais possíveis”, na sua primeira reação pública às acusações do filho mais velho, Brooklyn, sobre uma alegada rutura familiar. Em entrevista, a ex-Spice Girl sublinhou que a família sempre procurou proteger os filhos apesar da exposição mediática. Brooklyn Beckham tinha acusado os pais de interferirem na sua relação e de valorizarem a imagem pública da família acima da vida privada.

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Street Fighter | Paramount

Tom Clancy’s Jack Ryan: Ghost War | Prime Video

Ladies First | Netflix

Man on Fire | Netflix

Kabeça Orí nasce do prólogo em vídeo Kabeça, que percorre Lisboa homenageando locais que marcam a presença negra na cidade, muitas vezes invisibilizada por narrativas coloniais. O espetáculo traduz para o palco essa cartografia ritual, refletindo sobre a cabeça (o Orí, em Iorubá) não apenas como órgão fisiológico, mas como divindade pessoal e símbolo de resistência.

A cena inicial é sugestiva: duas mulheres caminham entre peças espalhadas no chão, enquanto sons que lembram bolhas preenchem o espaço. À medida que o ritmo cresce, as peças são manipuladas, construindo trajetórias que se cruzam. A primeira frase proferida em palco “Minha cabeça é meu guia”, resume o núcleo conceitual do trabalho: a cabeça como espaço de pensamento, memória e resistência.

Entre frases impactantes como “Se eu morrer, morrerei a lutar, a resistir e levarei comigo algumas cabeças” e momentos de humor, o espetáculo desafia o público a questionar preconceitos e a refletir sobre apagamentos históricos. A trilha sonora combina berimbau, cuíca e atabaque, instrumentos que carregam significados identitários, reforçando a ligação entre corpo, memória e ancestralidade.

As peças como espinha dorsal

Em entrevista ao 24notícias, Aoaní descreve as peças espalhadas pelo palco como “a espinha dorsal do espetáculo”. As peças funcionam como metáforas visuais e físicas do cérebro, do corpo e da memória, permitindo que a encenação seja tanto ritualística quanto política. A manipulação destes fragmentos reflete a trajetória contínua da diáspora e do encontro entre mulheres negras, numa linguagem teatral única.

“Na vídeo performance, nós fazemos um percurso, e estas peças também vão criando percursos de diferentes formatos. Há a analogia com ideias que a gente monta e desmonta ao longo da vida. Então, estas peças, que são partes, fragmentos, criam diferentes todos”, explica Joyce Souza.

Embora Kabeça Orí tenha origem na vídeo performance, Joyce enfatiza que não se trata de uma adaptação, mas de uma continuidade:

“A vídeo performance situa o percurso, mas poderia acontecer em qualquer cidade. É uma peregrinação, um caminho ritual e de celebração, feita por duas mulheres que se encontram na diáspora”.

A junção do que não se separa

Um dos elementos mais marcantes do espetáculo é o equilíbrio entre poesia, política, ancestralidade e humor. Joyce reflete sobre essa integração: “Trazer a política, poesia, ancestralidade, comicidade também… cabe tudo junto, porque tudo acontece em conjunto”. Segundo a atriz, um dos grandes intuitos do espetáculo é trazer a integridade do que não é individual.

“As coisas não se separam. Eu não posso falar de saúde mental, se não falar de política, se não falar de tudo que está à volta”.

Aoaní completa com uma vivência concreta: “Nós somos mulheres negras. Estamos habituadas a equilibrar o mundo e a lidar com coisas muito pesadas. Se não levarmos tudo isso com alguma leveza, vamos morrer. E nós recusamos-nos a morrer”.

O resultado é um espetáculo que transita naturalmente entre o peso da história e momentos de leveza e humor, mantendo o público engajado e reflexivo ao mesmo tempo.

Escolhas com significado

A escolha de instrumentos como o berimbau, o atabaque e a cuíca é uma decisão política, estética e simbólica. Emile Pereira, responsável pela percussão, destaca:

“São partes que carregamos no corpo. Não há como contar essa história sem eles”.

“São mais que sons. São instrumentos de evidência”, acrescenta Joyce Souza.

O espetáculo chega a Lisboa num contexto político sensível. Aoaní vê a estreia como uma lufada de ar fresco: “O espetáculo foi concebido há quase três anos. E, vir para Lisboa numa altura tão crítica, acho que era para ser. Vivemos um momento em que as pessoas precisam, talvez, de fontes externas para pensar em situações diárias. O espetáculo pode servir para isso, apesar de não ter sido o nosso objetivo ao criar”.

Joyce acrescenta que a peça explicita um caminho que sempre existiu, mostrando que a resistência e a memória continuam, independentemente do contexto político.

Kabeça Orí é mais do que uma performance; é uma peregrinação estética e política, que provoca, celebra e ritualiza a memória negra na cidade e no corpo. Entre fragmentos, humor e poesia, Aoaní e Joyce criam uma obra que desafia o público a refletir sobre quem somos, de onde viemos e como mantemos nossa cabeça erguida diante da história e do presente.

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Rosalía trouxe a sua “lux” a Lisboa. Nos dias 8 e 9 de abril, a cantora catalã atuou na Meo Arena para uma plateia esgotada. Durante as mais de duas horas de concerto, Rosalía protagonizou um espetáculo que reflete a estética do seu álbum “Lux” com referências artísticas e católicas. Para além disso, na música “Memória” trouxe a palco a fadista Carminho num dueto que emocionou a plateia.

“Não fica bem falar de...” sexualidade nos jovens. “É preciso desconstruir a ideia ‘da conversa’”. No novo episódio do podcast da Wells “Não fica bem falar de...”, a apresentadora Jessica Athayde recebe a psicóloga e sexóloga, Tânia Graça, para falarem sobre a sexualidade nos jovens e como a informação pode torná-los “cidadãos mais empáticos e respeitosos”.

Kanye West barrado à entrada no Reino Unido. Autoridades britânicas recusam autorização de viagem ao rapper, alegando que a sua presença contraria o interesse público, antes de atuação prevista em Londres

David Guetta regressa a Portugal com espetáculo “The Monolith”. O DJ e produtor francês David Guetta regressa a Portugal a 2 de agosto para um espetáculo no Parque Papa Francisco, em Loures, onde irá apresentar “The Monolith”, um novo formato que assinala uma fase distinta na sua carreira.

Pré-venda para o regresso de Céline Dion conta com nove milhões de inscritos. Céline Dion está de regresso aos palcos e vai dar dez concertos entre 12 de setembro e 14 de outubro, no pavilhão La Défense Arena, em Paris, que tem uma capacidade total para perto de 40 mil espectadores. Neste momento, nove milhões de pessoas já se inscreveram para a pré-venda.

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The invite | A24

Backrooms | A24

Half man | HBO Max

Remarkably Bright Creatures | Netflix

Transformar um dos processos mais mediáticos da política portuguesa num musical pode parecer improvável, mas foi precisamente esse desafio que interessou a Henrique Dias. O autor, conhecido por projetos televisivos como Pôr do Sol e Telerural, partiu de uma constatação simples: a história já fazia parte do quotidiano coletivo há demasiado tempo para continuar a ser apenas matéria jornalística.

“Percebi há quanto tempo é que esta história anda nas nossas vidas e o absurdo que isto é”, explica. “E estava sempre a ser tratado de uma forma jornalística, como deve ser, e eu pensei que era interessante tratar isto de uma forma artística, muito mais ligada ao humor”.

O resultado é “Sr. Engenheiro” Alegadamente Um Musical’ , em cena desde 1 de abril no Teatro Tivoli BBVA. O espetáculo acompanha, em tom assumidamente ficcionalizado, a trajetória de um antigo primeiro-ministro, das origens nas Beiras ao confronto com a justiça. A narrativa constrói-se em analepse, convocando episódios e figuras que marcaram o caso: do melhor amigo ao “motorista que sabia de mais” e à licenciatura ao domingo.

Mais do que reconstituir factos, a peça opta pelo exagero como linguagem. “Levar isto a um exagero ainda maior, quase surrealista, pode ter um potencial cómico tremendo. E depois, não sei porquê, veio-me à cabeça um musical”, afirma o autor.

Questionado pelo 24notícias sobre o equilíbrio entre comédia e realidade, Henrique Dias explica que “a comédia só serve como uma espécie de ponte de ligação, como umas ancorazinhas ao longo do texto”, sublinhando que “tudo o que liga as coisas umas às outras é o perfeito exagero, é o perfeito disparate”.

Em palco, Manuel Marques assume o papel central. O ator destaca o processo de trabalho: “Durante dois meses tivemos o privilégio de ter este cenário gigantesco montado num armazém. E trabalhámos todos com ele, não só a representar, mas também a mudar pernas e adereços”.

Conhecido pelas suas imitações de figuras públicas, Manuel Marques recorda experiências anteriores: “Já tinha feito um ‘boneco’ do Sócrates no Donos Disto Tudo, na RTP, e também no Herman. Mas agora é um Sócrates adaptado ao teatro , um Sócrates que dança, que canta, que é diferente”.

A personagem principal é acompanhada por um elenco alargado: Alexandre Carvalho (o entregador de pizzas e outras personagens), Brienne Keller (a filha), Jorge Mourato (o melhor amigo), Marta Andrino (a namorada), Miguel Raposo (o advogado), Samuel Alves (o motorista), Sílvia Filipe (a secretária), Sissi Martins (a ministra) e Rita Cruz (a procuradora).

Jorge Mourato sublinha a receção do público: “O público gosta, e estes dois meses foram trabalhosos, mas cumpriram o objetivo”.
Marta Andrino acrescenta: “Sabe muito bem, ao fim destes dois meses, receber essa energia de volta. É também divertido perceber que coisas que achávamos que iam ter graça funcionam, e outras que já nem esperávamos”.

O ritmo em palco é exigente. “Há muito poucos momentos em que podemos relaxar”, refere Sissi Martins, que destaca também a relação com o texto: “Temos de levar isto para um lado de farsa para podermos brincar à vontade. Se olhássemos para o texto com toda a verdade que ele traz, seria muito duro transformá-lo em algo divertido”.

A seleção das personagens não seguiu uma lógica clássica de protagonismo. “Peguei nas pessoas que eram mais importantes para a história, as que faziam a narrativa avançar”, explica Henrique Dias.

Essa opção reflete-se na própria estrutura do espetáculo: “Não há propriamente um conflito clássico. Isto é uma espécie de biopic. Há um interesse amoroso que serve como linha condutora, mas não há protagonista e antagonista definidos”.

A encenação, assinada por Rui Melo, acompanha essa lógica ao privilegiar o tom sobre o realismo. “O mais difícil foi descobrir o tom. Este texto tem graça só por si, mas era preciso perceber que tipo de espetáculo queríamos fazer”.

A resposta passou pela recusa do naturalismo e pela aproximação à farsa: “Nunca me interessou fazer um espetáculo documental, com cenários realistas. Interessou-me explorar a ideia de farsa teatral, em que o público conhece a história e os atores vivem cada situação como se fosse a primeira vez”.

A cenografia, concebida por Marta Carreiras, reforça essa opção estética. Em vez de espaços realistas, constrói-se um palco barroco, com telões pintados e mecanismos visíveis, evocando o teatro mais antigo. Um dispositivo que se desdobra num conceito central: “Um teatro dentro do teatro”, descreve Rui Melo. “Porque o Engenheiro é um teatro dentro deste teatro maior que é a nossa vida”.

A ideia aproxima o espetáculo de uma tradição teatral baseada na representação dentro da própria representação, embora, como sublinha Henrique Dias, com diferenças face ao teatro de revista: “Há pontos de contacto, como os quadros autónomos. Mas a revista trabalhava para contornar a censura. Nós vivemos em liberdade e podemos dizer o que quisermos dentro dos limites da lei”.

A componente musical, com assinatura de Artur Guimarães, nasce do próprio texto e de um processo colaborativo entre autor e encenador. “À medida que escrevíamos as letras, íamos imaginando referências. Um momento podia ser ao estilo de Chicago, outro lembrar Avenida Q”, explica Rui Melo.

Esse trabalho coletivo estende-se a toda a produção, uma dimensão que Henrique Dias considera essencial: “No teatro não há heróis sozinhos.”

No total, cerca de 70 profissionais estiveram envolvidos, com mais de 30 elementos nos bastidores. O espetáculo resulta de 36 dias de preparação e mais de 216 horas de ensaio, sustentando uma encenação que, apesar de fluida, é altamente coreografada, uma “máquina oleada”, como descreve Rui Melo.

Madalena Almeida, atriz e pela primeira vez assistente de encenação, destaca a importância da contextualização: “Foi importante perceber os contornos do caso e as referências no texto. Talvez leve o público, sobretudo da nossa geração, a querer saber mais”.

Sobre o seu contributo, acrescenta: “Quando se assume que isto é uma farsa, tudo passa a contribuir para isso”.

A sua participação é também valorizada pela equipa: “Foi essencial contar com uma pessoa que é uma mulher, mais nova, com esta visão e talento. A verdade é que isto não se fazia sem a Madalena, foi imprescindível no rigor e nessa atenção ao detalhe”.

Sem intenção de reproduzir fielmente os acontecimentos nem de os transformar num comentário direto, “Sr. Engenheiro” posiciona-se num território intermédio, onde o reconhecimento convive com a distorção. O resultado é um objeto cénico que surpreende parte do público: “As pessoas vêm à espera de uma coisa mais realista e levam com algo quase onírico”, nota Henrique Dias.

Com a duração de 1h15, o espetáculo não exige conhecimento detalhado do processo que o inspira, ainda que convoque elementos facilmente reconhecíveis. E, como em qualquer narrativa construída a partir de material amplamente conhecido, há um jogo constante entre o que já se sabe e o que se reinventa.

O resto descobre-se em sala, e prolonga-se, possivelmente, à saída, em forma de refrão: “La Dolce Vita, que grande fita”.

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O festival O Sol da Caparica anunciou novos nomes para a edição de 2026. Maiara & Maraisa, Mizzy Miles, Deejay Telio e Lon3r Johny são as novas confirmações, que vão atuar entre 13 e 16 de agosto, juntando-se a um cartaz que já inclui Sara Correia, Veigh, Vizinhos e Quim Barreiros.

Blake Lively e Justin Baldoni. Um juiz federal dos EUA rejeitou a maioria das acusações de assédio sexual apresentadas por Blake Lively contra Justin Baldoni, permitindo apenas três queixas, incluindo retaliação, avançarem para julgamento, num caso que continua a dividir a indústria do entretenimento.

Megan Thee Stallion hospitalizada. A rapper norte-americana hospitalizada após se ter sentido mal durante uma atuação em “Moulin Rouge!” na Broadway, devido a exaustão e desidratação. A cantora já recebeu alta e garantiu que regressará ao palco após um período de descanso.

Olivia Rodrigo tem novo álbum. “You seem pretty sad for a girl so in love” é o título do terceiro álbum da cantora de 23 anos. Segundo a publicação no Instagram, o disco sai no dia 12 de junho. “Estou tão orgulhosa deste álbum, mal posso esperar para que ouçam”, escreve a cantora.

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Masters of The Universe | Amazon MGM

Supergirl | Warner Bros.

Ronaldinho: The One and Only | Netflix

Cape Fear | Apple TV

Há clássicos que se atualizam, outros que resistem. “Filodemo”, de Luís Vaz de Camões, pertence claramente à segunda categoria e é precisamente essa resistência que estrutura a encenação de Pedro Penim. Em cena na Sala Estúdio Valentim de Barros, nos Jardins do Bombarda, em Lisboa, o espetáculo recusa atalhos contemporâneos e propõe um gesto mais exigente: não trazer a peça até nós, mas obrigar-nos a ir até ela.

Escrita no século XVI, provavelmente na juventude de Camões, “Filodemo” é uma comédia pastoril que habita um universo idealizado, povoado por pastores e ninfas, onde os amores se desenrolam entre equívocos, ingenuidade e revelações. À primeira vista, tudo parece distante, quase irremediavelmente anacrónico. Mas é nesse desfasamento que Pedro Penim encontra matéria de trabalho. Em vez de suavizar a estranheza, amplifica-a.

O resultado é um espetáculo que exige escuta e disponibilidade. O português quinhentista não é simplificado, é antes deixado intacto, obrigando o “ouvido contemporâneo” a adaptar-se progressivamente. Há aqui um claro confronto com a “tirania do conforto”, a ideia de que tudo no teatro deve ser imediatamente reconhecível e próximo. Pedro Penim recusa essa lógica e propõe um “movimento de quem está sentado” que se molda ao longo da narrativa.

Esta abordagem marca também uma diferença face a trabalhos anteriores do encenador, como a adaptação da “Farsa de Inês Pereira”. Aqui, a intervenção é mínima. Para além de um prólogo, onde o humor e o sarcasmo abrem caminho à peça e convocam referências como Luís Miguel Cintra, Pedro Penim mantém-se deliberadamente contido, procurando “cumprir a peça” mais do que reinventá-la.

Ao citar Luís Cintra, “Nada nele remete para o nosso tempo”, a encenação assume a distância como ponto de partida, não como problema. Representar “Filodemo” é, assim, aceitar essa fratura temporal e permitir que ela produza sentido. Ou, como se sugere em cena, deixar que um mundo que já não é o nosso nos desmaterialize.

Mas há também uma dimensão política neste gesto. O diretor fala explicitamente da necessidade de “resgatar Camões” de uma narrativa de portugalidade cristalizada, historicamente apropriada por discursos nacionalistas, nomeadamente durante o Estado Novo. Reencenar “Filodemo” torna-se, nesse sentido, um ato de reapropriação: retirar o autor do pedestal e devolvê-lo à complexidade, à pluralidade de influências e à liberdade criativa.

Estreada originalmente em 1555, em Goa, “Filodemo” regressa agora como objeto teatral pleno, não para ser lido, mas vivido. E talvez seja esse o maior mérito desta encenação: lembrar que o teatro não serve apenas para nos reconhecer, mas também para nos deslocar.

“Filodemo” está em cena até meados de abril em Lisboa, seguindo depois em digressão por Mafra, Gafanha da Nazaré e Matosinhos. Entre os dias 27, 28 e 29 de março, a entrada é gratuita, por isso aproveita e deixa-te atravessar séculos para ficares “esperdiçado de amor”.

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No novo episódio do podcast da Wells, a psicóloga clínica Catarina Martins e Joana Gonçalves desafiaram ideias enraizadas sobre maternidade, felicidade e identidade feminina. Entre reflexão e testemunho pessoal, defenderam que não querer ter filhos pode ser uma decisão consciente e legítima.

O regresso de Céline Dion. Rumores começaram com cartazes espalhados pelas ruas de Paris com fundo branco e a preto onde estava escrito: “Pour que tu m'aimes encore” ou “The Power of Love”. Céline Dion dará dois concertos por semana, na Paris La Défense Arena, nos meses de setembro e outubro.

Rosalía abandona espetáculo. Durante a apresentação em Milão, a cantora espanhola comunicou ao público que tinha estado a vomitar e não conseguia continuar.

Taylor Lauter vai ser pai. O eterno lobisomem da saga “Twilight” revelou na sua página de Instagram que vai ter um bebé, fruto da sua relação com a mulher que partilha o seu nome, Taylor Lautner.

Dua Lipa usa calçado português. Na recente campanha da Nespresso, Dua Lipa tem calçado um par de sapatos produzido numa parceria entre a indústria do calçado português e o designer Willy Chavarria, que faz parte da coleção do projeto "BioShoes4All".

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Moana | Disney

The furious | Lionsgate

This is a gardening show | Netflix

Apex | Netflix

Neste filme, ambientado nos anos 70, acompanha-se a história de Jeanne — interpretada pela estreante Clara Pacini —, uma adolescente que foge do orfanato e assume uma nova identidade, numa tentativa de se reinventar. Esse gesto inicial anuncia desde logo um dos eixos centrais do filme: a instabilidade da identidade.

Ao refugiar-se num estúdio de cinema, Jeanne entra literalmente num espaço de ilusão. É aí que se depara com a figura da Rainha da Neve, interpretada por Marion Cotillard, cuja presença gélida e distante domina o ecrã. É nesse estúdio que estão a fazer uma adaptação cinematográfica do conto de Hans Christian Andresen “A Rainha da neve”, onde Christina (Marion Cotillard) interpreta a Rainha. A sua primeira aparição é impactante: entre uma ranhura nas paredes falsas do cenário, Jeanne observa uma das cenas do filme, onde a Rainha aparece num lindo vestido branco acompanhada de uma luz angelical e neve.

Jeanne imiscui-se entre os bastidores e no camarim da atriz consegue roubar um cristal que faz parte do vestido. A visão desse cristal é usada pela realizadora como um dos planos onde se vai demonstrando que a visão infantil que Jeanne tinha da rainha se deteriora à medida que a sua relação com Christina começa a evoluir, quando esta se torna uma das figurantes do filme.

O filme beneficia dessa ingenuidade pueril do semblante de Clara Pacini e da maturidade e impacto do olhar e movimentos de Marion Cotillard. Há cenas que basta um silêncio acompanhado de um olhar para se perceber.

A relação que Jeanne desenvolve com essa figura rapidamente ultrapassa a curiosidade inicial e transforma-se numa obsessão. A Rainha deixa de ser apenas uma personagem e passa a funcionar como um ideal, uma projeção de desejo, poder e escape. No entanto, essa idealização revela-se ambígua: quanto mais Jeanne se aproxima dessa imagem, mais se afasta de si própria.

A mise-en-scène privilegia tons frios, luz difusa e uma composição quase escultórica das imagens, criando uma sensação constante de distanciamento emocional.

O filme evita uma narrativa convencional, optando antes por uma experiência sensorial, onde a banda sonora etérea e o ritmo contemplativo reforçam a dimensão psicológica da história.

Contribuindo para transformar a história num “melodrama hipnotizante que mistura sensualidade com uma ansiedade tensa, equilibrando-se à beira do precipício do desastre”, tal como afirma Peter Bradshaw, crítico de cinema do The Guardian.

Assim, The Ice Tower transforma a história de Jeanne numa reflexão sobre o perigo da obsessão e da idealização. A Rainha da Neve não é apenas uma figura de fascínio, mas um espelho distorcido, o daquele cristal roubado, onde Jeanne acaba por confrontar o lado mais obscuro de si mesma.

Este filme marca a segunda colaboração entre a realizadora e a aclamada atriz, sendo o primeiro o filme “Inocência” de 2004. Antes de Marion Cotillard chegar a Hollywood, onde conquistou o Óscar de melhor atriz em 2008 pelo filme “La Vie en Rose” com a interpretação da cantora francesa, Édith Piaf.

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NAPA, Buba Espinho e Inês Marques Lucas entre os nomeados da 8.ª edição dos PLAY. Artistas revelam inspirações e obstáculos. Os nomeados foram anunciados na quarta-feira, numa conferência de imprensa no Coliseu dos Recreios, em Lisboa. A jornalista Meiline Silva acompanhou a conferência aqui.

Dua Lipa é a nova cara da Nespresso. A parceria emblemática do ator George Clooney e da marca de café italiana chegou ao fim. É a vez de uma voz feminina e com sotaque britânico tomar conta do famoso “What else?”.

Banksy: revelado o mistério do artista mais enigmático do mundo. Uma investigação da Reuters desvendou a identidade do enigmático artista de rua Banksy, revelando detalhes inéditos sobre a sua carreira, os bastidores das suas obras e o funcionamento do seu império artístico e filantrópico.

“Batalha Atrás de Batalha” triunfa numa noite com surpresas nos Óscares. A 98.ª edição dos Óscares consagrou “Batalha Atrás de Batalha” como o grande vencedor da noite, com seis prémios. “Pecadores”, o filme mais nomeado, arrecadou quatro estatuetas numa cerimónia marcada por estreias históricas e um raro empate.

Zendaya fala sobre fotos IA com Tom Holland No programa do apresentador Jimmy Kimmel, onde foi convidada, a atriz norte-americana confessou: “Enquanto andava por aí na minha vida, as pessoas diziam: “Meu Deus, as tuas fotos de casamento são lindas”. E eu respondia: “Querido, são feitas por IA. Não são reais”." A atriz não confirmou se o casamento ocorreu realmente.

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Spider Man: Brand new day | Marvel

Outcome | Apple TV

Dune: Parte Três | Warner Bros.

O Diabo Veste Prada 2 | 20th Century Studios

Num mundo marcado por divisões e conflitos cada vez mais polarizados, o teatro pode ser um dos poucos lugares onde as histórias individuais ainda conseguem atravessar fronteiras políticas e culturais. É nesse território que se move a nova encenação de Álvaro Correia, que estreia a 18 de março no Teatro São Luiz, onde ficará em cena até dia 29.

O espetáculo parte de um texto de Wajdi Mouawad, autor conhecido por cruzar a grande História com as histórias íntimas das pessoas. Aqui, as consequências de conflitos globais entram pela vida dentro de uma família, desmontando certezas sobre identidade, memória e pertença.

Um amor improvável

A história começa de forma quase simples: numa biblioteca em Nova Iorque, o judeu-alemão Eitan e a árabe-americana Wahida conhecem-se e apaixonam-se instantaneamente. Mas o peso da História não tarda a fazer-se sentir. A família de Eitan carrega a memória do Holocausto e dos conflito de longa data entre israelitas e palestinianos, algo que torna impossível, para o pai, aceitar a relação do filho.

A situação torna-se ainda mais dramática quando Eitan, investigador na área da genética e “para quem tudo não passa de moléculas”, é gravemente ferido num atentado à bomba em Jerusalém, numa viagem em busca por respostas. À volta da sua cama de hospital reúne-se toda a família, e é nesse momento que um segredo antigo emerge, capaz de abalar todas as certezas que sustentavam aquelas identidades aparentemente opostas.

A leveza no meio do caos

Apesar da profundidade dos temas abordados, a peça recusa o peso constante da tragédia. Pelo contrário, alterna momentos de grande intensidade com passagens surpreendentemente leves e até cómicas. A dinâmica entre Eitan e os pais, por exemplo, traz momentos de humor que quebram a tensão emocional da narrativa. Também a relação entre Wahida e a avó de Eitan gera algumas das cenas mais divertidas da peça.

Segundo o encenador, esse equilíbrio entre drama e humor é essencial e, faz parte da própria tradição cultural que a peça evoca.

“Os judeus têm um humor muito próprio. Têm uma grande capacidade de brincar com eles próprios, estranhamente”, explica Álvaro Correia ao 24notícias. “Esse humor acaba por ajudar a continuar a viver”.

Uma peça sobre identidade

No centro da narrativa está uma pergunta aparentemente simples: quem somos nós? A peça explora a identidade como algo complexo e cheio de camadas: familiar, cultural, histórica e política. As personagens vivem num espaço onde essas camadas entram constantemente em choque.

Ainda assim, o espetáculo evita tomar posições ideológicas explícitas. Em vez disso, foca-se nas pessoas. Numa era tão polarizada, é difícil encontrar arte mais humana que política. Em vez de discutir lados, a peça centra-se nas vidas individuais e na forma como estas são atravessadas pela História.

A força da palavra

O texto de Mouawad mantém-se no centro de toda a encenação. As falas são longas, por vezes poéticas, e exigem grande intensidade dos intérpretes. Para Álvaro Correia, a emoção nasce precisamente daí.

“Eu disse aos atores para não puxarem emoção”, explica. “Aquilo que aparece vem da situação e do efeito da palavra”.

A peça evita, assim, o melodrama fácil. Em vez disso, constrói a tensão através do discurso, das revelações e da forma como o passado vai sendo lentamente desvendado.

O elenco sólido

O espetáculo conta com um elenco experiente, que inclui Cucha Carvalheiro, Fernando Luís, Manuela Couto, Virgílio Castelo, Madalena Almeida e David Esteves.

Entre as surpresas do elenco está Laura Garnel, aluna finalista da Escola Superior de Teatro e Cinema, que se destaca pela intensidade da sua interpretação. Também o aluno Duarte Romão impressiona, nomeadamente pela dimensão musical da sua presença em palco, cantando e tocando teclado durante o espetáculo.

Quando tudo encaixa

À medida que a narrativa avança, as peças do puzzle começam lentamente a ligar-se. O segredo familiar revelado no final reconfigura tudo aquilo que o público pensava saber sobre as personagens e sobre as divisões que pareciam separá-las. É nesse momento que se percebe que a peça não é apenas sobre conflitos políticos ou históricos, mas sobre algo muito mais simples e muito mais difícil: as pessoas.

Num tempo em que as identidades parecem cada vez mais rígidas e irreconciliáveis, esta encenação lembra que a vida raramente cabe em fronteiras tão claras. E que, por trás de qualquer conflito, existem sempre histórias humanas que desafiam as certezas mais sólidas.

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“Não fica bem falar de...” preparar a fertilidade. Entre o relógio biológico e o direito de escolher. A atriz Diana Nicolau decidiu congelar óvulos aos 38 anos, depois de um alerta da sua ginecologista.

O regresso das Pussycat Dolls. O trio feminino confirmou que vai voltar a reunir-se para uma canção e uma digressão, revela a BBC.

Andrea Bocelli comenta polémica do ator Timothée Chalamet sobre ópera e bailado. Numa entrevista à revista People, Andrea Bocelli afirmou ter ficado “surpreendido” ao ouvir o “colega artista” dizer, durante um encontro público em fevereiro, que estas formas de arte são algo de que “ninguém quer saber”. O cantor, de 67 anos, mostrou-se, no entanto, disponível para ajudar o ator de 30 anos a compreender melhor o valor e a relevância da ópera.

Rosalía na terceira temporada de “Euphoria”. Segundo Sam Levinson, criador e realizador da produção, os novos episódios vão incluir “algumas músicas originais”. Entre os nomes envolvidos está a cantora Rosalía, que se junta a compositores como Hans Zimmer e Labrinth, numa colaboração que promete novas sonoridades para acompanhar a próxima fase da série.

Mulher dispara contra casa de Rihanna. Uma mulher de 35 anos, natural da Florida, foi acusada de tentativa de homicídio depois de alegadamente ter disparado tiros contra a casa de Beverly Hills da cantora Rihanna no passado domingo, diz o The Guardian.

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Thrash | Netflix

Margo's Got Money Troubles | Apple TV

Hokum | Neon

Power Ballad | Lionsgate

Para o exorcismo ficar bem feito o álbum The Mountain deve ser ouvido como quando saíamos da Valentim de Carvalho com os primeiros lançamentos da banda: do início ao fim sem deixar que o algoritmo nos diga o que ouvir de seguida. E, falando em algoritmo, numa altura em que as redes sociais estão cheias de gente que vai para Bali e para a Tailandia redescobrir-se, os Gorillaz voltaram às raízes na Índia e, no regresso, em vez de nos venderem um curso de auto-ajuda, convidaram os amigos deram-nos um disco que nos vai ajudar a meditar e a convocar o deus de cada um para ultrapassar os problemas de 2026.

A 27 de fevereiro, lançaram o nono álbum de estúdio e desde então que não nos sai dos ouvidos. O álbum lançado pela Kong Records, e coproduzido por James Ford, que também produziu o mais recente álbum dos Blur, é um projeto profundamente contemplativo que combina música, arte e narrativa em torno da temática da vida, morte e espiritualidade. Esse triângulo virtuoso não acontece apenas enquanto concepção artística, mas sim enquanto necessidade é um álbum que sai das entranhas dos músicos e isso nota-se.

O álbum nasce durante uma viagem à Índia, depois de Damon Albarn ter perdido a mãe e, dez dias depois, o pai de Jamie Hewlett ter morrido. Perante essa montanha chamada luto que tinham que atravessar, os dois amigos deram as mãos, o resto da banda deu-lhes colo, chamaram os personagens 2D, Murdoc, Noodle e Russel Hobbs, e seguiram o difícil caminho do luto, exploraram sem medo a vida e a morte.

E como o luto não se ultrapassa sozinho convidaram outros músicos de estilos diferentes, porque durante esse processo num dia também nos sentimos mais hip-hop e noutro mais eletrónico. Em comum, além da perda e da vertigem de sentimentos, há sempre a influência da música indiana e daquilo que nos transcende.

Assim, o ecletismo em The Mountain surpreende-nos a cada música, sem saber o que ou quem se seguirá e em que língua. Do punk dos IDLES ao rock de Johnny Marr, a viagem pela montanha não é em linha reta e desconcerta-nos com o aparecimento de instrumentos tradicionais indianos no meio do som eletrónico a que os Gorillaz nos habituaram.

Mas desengane-se quem acreditar que este vai ser um álbum inteiramente melancólico, sombrio e instrospetivo como na música The Hardest Thing, também há momentos alegres e frenéticos como em todas as fases de superação, exemplo disso são The Moon Cave, Damascus, The Happy Dictator e Orange County. E se é de luto que se fala, a banda britânica homenageia alguns dos seus heróis com colaborações póstumas com Bobby Womack, Dennis Hopper, Proof, Mark E. Smith e Tony Allen, que vão pontuando a sua presença entre os convidados vivos: Anoushka Shankar, Ajay Prasanna, Amaan e Ayaan Ali Bangash, Asha Bhosle, Asha Puthli, Black Thought, Johnny Marr, Trueno, Yasiin Bey, Sparks, Joe Talbot (IDLES) e Paul Simonon.

Há um transe coletivo a que nos convidam de forma muito clara na primeira música The Mountain e do qual nos libertam no fim com The Sad God. A espiritualidade e a esperança vão pautando em Damascus, com influências árabes e participação de Yasiin Bey. The Shadowy Light, com Asha Bhosle, fecha a experiência com uma reflexão sobre o pós-vida, evocando a travessia espiritual e a busca por moksha, o estado de libertação final na tradição hindu.

Os Gorillaz marcaram o início dos anos 2000 - até aos dias de hoje - também por fazerem acompanhar a experiência auditiva de um forte estimulo visual. Em The Mountain, Jamie Hewlett afasta-se dos cenários apocalípticos típicos dos Gorillaz e adotou aquarelas suaves, céus indianos pálidos, figuras dissolvendo-se na luz e natureza como reflexo da introspecção da dupla. Uma curta-metragem, The Mountain, The Moon Cave, and The Sad God, acompanha o álbum, reforçando a experiência audiovisual e espiritual.

A digressão The Mountain Tour inicia a 21 de março de 2026 pelo Reino Unido e Irlanda, com destaque para o show principal a 20 de junho no Tottenham Hotspur Stadium, em Londres. Apesar de ainda não haver datas confirmadas na Índia, a forte referência à cultura e música do país sugere que um concerto indiano será natural na sequência do lançamento.

Lançamento: 27 de fevereiro de 2026
Gravadora: Kong Records (primeiro álbum independente do grupo em 26 anos)
Álbum: 9º estúdio
Duração: 1h06min
Idiomas: Inglês, Espanhol, Árabe, Hindi, Yoruba
Colaborações: Ajay Prasanna, Amaan e Ayaan Ali Bangash, Anoushka Shankar, Asha Bhosle, Asha Puthli, Bizarrap, Black Thought, Johnny Marr, Trueno, Yasiin Bey, Sparks, Joe Talbot (IDLES), Paul Simonon, além de participações póstumas de Bobby Womack, Dennis Hopper, Mark E. Smith, Tony Allen, Proof (D12) e outros.

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“Não fica bem falar de...” burnout. “É preciso cinco ou dez minutos para perguntar: como me estou a sentir?”. No mais recente episódio do podcast da Wells, dedicado “100% à saúde mental”, a psicóloga Ana Bispo Ramires explica as diferenças entre burnout, ansiedade e depressão e deixa estratégias práticas para prevenir o esgotamento e recuperar o equilíbrio.

António Lobo Antunes viverá para sempre. Quinta-feira amanheceu com a morte de António Lobo Antunes, um dos maiores nomes da literatura portuguesa contemporânea e uma das vozes que mais profundamente transformaram a prosa em língua portuguesa no pós-25 de Abril. Lembramos o escritor, dizemos por onde começar a lê-lo e partilhamos as homenagens exclusivas do prémio Saramago Francisco Mota Saraiva e da jornalista Mariana Santos Galo.

Ganso, a banda que nasceu nos corredores de liceus lisboetas, prepara concerto histórico no Coliseu. Dez anos depois do primeiro concerto, os Ganso preparam-se para subir ao Coliseu dos Recreios em Lisboa, celebrando uma década de carreira marcada por evolução musical, criatividade e uma ligação crescente com novas gerações de fãs. Entre memórias do antigo Armazém F, experiências de estúdio em Paris, colaborações com artistas e temas de reflexão social como o novo single “Mal Vestido”, a banda promete uma noite única, que revisitará a discografia completa e contará com convidados especiais como José Cid e Carlo Corbellini.

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DTF St. Louis | HBO Max

Your Friends & Neighbors S2 | Apple TV

Beef S2 | Netflix

LORNE | Focus Features

A narrativa acompanha o romance entre John F. Kennedy Jr., filho do presidente norte-americano assassinado em 1963, e Carolyn Bessette, profissional de relações públicas da Calvin Klein. Mais do que uma história de amor, a série propõe um olhar sobre o peso do apelido Kennedy, a cultura de celebridade e a intrusão constante dos media.

Nos anos 90, John F. Kennedy Jr. era considerado um verdadeiro galã. A revista People chegou a nomeá-lo “o homem mais sexy do mundo”. Advogado de formação, tendo passado no exame da Ordem apenas à terceira tentativa, tornou-se também editor e jornalista, fundando em 1995 a revista George, publicada até 2001.

Conhecido pelas alcunhas JFK Jr. ou “John-John”, era presença constante nas páginas da imprensa cor-de-rosa. Entre corridas em tronco nu no Central Park, passeios de bicicleta por Nova Iorque e relacionamentos com figuras como Madonna, Julia Roberts, Sarah Jessica Parker ou Daryl Hannah, tornou-se um alvo permanente dos paparazzi. A relação com a atriz Daryl Hannah foi a mais duradoura, mas marcada por tensão mediática e resistência familiar, nomeadamente de Jackie Kennedy Onassis, mãe de John Kennedy JR.. Pelo menos é assim que é caracterizada na série, tendo já valido algumas críticas pelo retrato feita da atriz.

Carolyn Bessette, por sua vez, nasceu em Nova Iorque, licenciou-se na Universidade de Boston e construiu carreira na Calvin Klein, passando de assistente de vendas a responsável de relações públicas. Mantinha proximidade com o fundador da marca, Calvin Klein, e com Kelly Klein, integrando um círculo social influente, embora preservasse uma imagem discreta.

Segundo a série, o casal terá sido apresentado por Calvin Klein numa festa no início dos anos 90. Contudo, tal como indica o aviso inicial da produção, trata-se de uma dramatização baseada em factos reais, com elementos ficcionados, e esse encontro foi um deles, visto que não há registos sobre tal.

A relação rapidamente se tornou objeto de fascínio da imprensa norte-americana. Um dos eixos dramáticos explorados é o contraste entre o peso simbólico da dinastia Kennedy e o perfil reservado de Carolyn, pouco habituada à exposição pública.

Um dos aspetos mais comentados da série é a semelhança física entre os protagonistas e os atores que os interpretam, Sarah Pidgeon (Carolyn) e Paul Anthony Kelly (JFK Jr.). Comparações lado a lado com fotografias da época mostram uma recriação minuciosa, quase mimética, de gestos, poses e momentos captados pelos paparazzi nas ruas de Nova Iorque.

O elenco inclui ainda Naomi Watts como Jackie Kennedy, retratada nos últimos anos de vida; Grace Gummerc, filha de Meryl Streep, como Caroline Kennedy; Alessandro Nivola no papel de Calvin Klein; e Leila George como Kelly Klein. A recriação visual estende-se ao guarda-roupa, elemento central da identidade estética da série.

O estilo minimalista de Carolyn Bessette , hoje redescoberto nas redes sociais, surge como uma das marcas visuais mais fortes: silhuetas depuradas, paleta neutra e elegância sem ostentação. Já o guarda-roupa de JFK Jr. reflete um casual sofisticado, combinando fatos com boinas e a inseparável bicicleta. Muitos dos figurinos parecem inspirados diretamente em fotografias icónicas, incluindo o célebre episódio de discussão do casal no Central Park, amplamente documentado pela imprensa.

A banda sonora reforça a imersão na década de 1990. O trailer é conduzido por um remake de “Head Over Heels”, dos Tears for Fears, interpretado pelos Japanese Breakfast, e inclui temas como “Kiss Me”, dos Sixpence None the Richer, e “No ordinary love”, de Sade.

A produção não ficou, contudo, imune à polémica. A família Kennedy manifestou-se de forma crítica através de Jack Schlossberg, sobrinho de JFK Jr., que acusou Ryan Murphy de explorar a memória do tio sem consultar os familiares. Defendeu ainda que parte dos lucros deveria reverter para a Biblioteca Presidencial Kennedy.

Numa publicação no Instagram, Jack Schlossberg chegou a chamar o produtor de “pervertido”, comentário que mais tarde procurou relativizar em entrevista, afirmando que se referia à obsessão cultural com a vida íntima de figuras públicas, e não à orientação sexual de Murphy. O desacordo intensificou-se nos meses seguintes, com trocas de declarações públicas entre ambos.

A série estreou com três episódios a 13 de fevereiro, centrados no início do relacionamento. Até ao momento, foram exibidos quatro dos nove episódios previstos, com novos capítulos a serem lançados semanalmente até dia 27 de março.

O pior de tudo é que já se sabe como termina. Em 1999, John Kennedy Jr, Carolyn Bessette e a sua irmã, Lauren Bessette, morreram tragicamente num acidente de aviação, no qual o piloto era JFK JR.

Tal como menciona uma peça no jornal britânico The Guardian, a família Kennedy navegava entre “realeza britânica e uma tragédia grega”, com vários familiares a morrerem assassinados ou com doenças terminais.

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“Não fica bem falar de…” parentalidade. Não existem pais perfeitos, é uma “melhoria contínua”. No sétimo episódio do podcast “Não Fica Bem Falar De…”, Vasco Palmeirim - apresentador, radialista e pai de Tomás e Matias - e Magda Dias, formadora em Inteligência Emocional e Educação Positiva e mãe de Carmen e Gaspar, conversam sobre os desafios de educar hoje, a importância das redes de apoio e o impacto que as escolhas parentais têm na construção do futuro das famílias.

Taylor Swift noiva de Santo António? Dia 13 de junho é a data marcada para o casamento entre a cantora norte-americana e Travis Kelce, jogador de futebol americano, divulgo a Entertainment Tonight. O presidente da Câmara de Lisboa, Carlos Moedas, não deixou escapar a oportunidade e fez uma publicação onde usou a notícia para fazer conexão com os noivas de Santo António.

Shakira nas pirâmides do Egito. Shakira continua na estrada com a sua sétima digressão mundial, Las Mujeres Ya No Lloran World Tour, iniciada em 2025. A tour arrancou no Brasil e terminará também nesse país — dando, literalmente, a volta ao mundo —, mas sem qualquer passagem por Portugal.

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Mortal Kombat | Warner Bros.

Pretty Lethal | Prime Video

The Madison | Paramount+

Louis Theroux: Inside The Manosphere | Netflix

André Murraças estreia no Teatro de São Luiz um solo autobiográfico, “O meu amigo Freddy Krueger”, onde atravessa a sua adolescência marcada por bullying, gordofobia e homofobia, com o pano de fundo das referências pop dos anos 80 e 90, especialmente figuras icónicas do terror como Freddy Krueger, Michael Myers e Leatherface. A peça estará em cena até 1 de março.

No espetáculo, André Murraças revisita uma amizade improvável com Freddy Krueger, a figura de terror que, durante os anos de liceu, funcionou como refúgio face ao bullying e à violência escolar. “Os filmes de terror eram uma paixão que servia de escape, um mundo alternativo para conseguir superar os incidentes à minha volta”, recorda o ator ao 24notícias, descrevendo essas personagens como “diferentes, marginais, estranhas na sociedade", um espelho simbólico do próprio sentimento de não pertença.

Criado por Wes Craven, Freddy Krueger tornou-se um dos ícones maiores do cinema de terror com o filme Pesadelo em Elm Street (1984). A história do assassino que persegue adolescentes nos sonhos, onde o medo é inevitável e não há fuga possível , marcou profundamente a cultura popular dos anos 80 e ajudou a definir o auge do subgénero slasher, presença constante no imaginário de uma geração que cresceu entre o VHS e as sessões tardias de cinema.

Escrever e interpretar a peça é para si um processo natural: “Faço tudo ao mesmo tempo: escrever, pensar no espetáculo, na cenografia. Nasce tudo junto”, revela o também encenador, que celebrou 50 anos no dia da estreia (19 de fevereiro), altura em que conseguiu finalmente olhar para o passado com distanciamento.

“O objetivo não era fazer as pazes com o passado, mas entender e estruturar o que aconteceu e criar um caminho”, diz o ator. Para quem, a arte apareceu como forma de sobrevivência: “O teatro salvou-me. Se calhar tinha-me tornado o Freddy Krueger da Amadora”, diz a rir-se.

“Para os adolescentes que se sentem diferentes, essa diferença pode tornar alguém especial”, acrescenta.

O espetáculo mistura momentos íntimos com o diálogo com Freddy Krueger, leituras de agendas pessoais e a presença constante das cassetes de Pesadelo em Elm Street, construindo um retrato íntimo e divertido de uma adolescência marcada pelo ostracismo, mas também pela descoberta das próprias paixões e identidade.

“O meu Amigo Freddy Krueger” é uma experiência para todos, para quem se sentiu diferente, mas também para quem sempre se inseriu num modelo normativo e quer olhar com empatia para quem é diferente, numa viagem que é, acima de tudo, sobre a descoberta de si mesmo através da arte.

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“Consigo fazer música com qualquer pessoa do mundo”. O 24notícias entrevisou o produtor Mizzy Miles que se estreia em nome próprio no Sagres Campo Pequeno, a 27 de fevereiro de 2026, afirmando-se como um caso raro em Portugal de um produtor que recusou ser “prestador de serviços” para assumir o centro do palco.

Bad Bunny estreia-se em papel principal no cinema. Segundo o meio de comunicacação “Deadline”, o cantor porto-riqueno vai participar num novo filme, um drama que honra a história do seu país, realizado também por um porto-riquenho vencedor de vários Gammys, René Pérez, conhecido como Residente, que se estreia neste ramo.

Tell me lies: casais da ficção para a vida real. O romance entre Grace Van Patten (Lucy) e Jackson White (Stephan) não ficou apenas em cena. Durante as gravações da primeira temporada, em 2022, Grace Van Patten (Lucy) e Jackson White (Stephan) começaram a namorar, e estão juntos até hoje.

Jacob Elordi o novo James Bond? De acordo com o DeuxMoi, a Amazon terá oferecido ao ator australiano a oportunidade de assumir o icónico papel.

Hannah Montana de volta, 20 anos depois. A 24 de março chega à Disney+ “Hannah Montana 20th Anniversary”.

Miley Cyrus vai voltar a dar vida ao “melhor de dois mundos” ao encarnar Miley Stewart e a cantora pop Hannah Montana.

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Toy Story 5 | Pixar

Peaky Blinders: The Immortal Man | Netflix

Pressure | Focus Feature

Imperfect Women | Apple Tv

“O Monte dos Vendavais” foi publicado em 1847 por Emily Brontë, sob o pseudónimo Ellis Bell. Recebido de forma controversa à época, o romance foi considerado excessivamente violento e moralmente perturbador para os padrões vitorianos.

Em 1850 é lançada uma segunda edição da obra, já com o verdadeiro nome da autora, revista pela irmã, Charlotte Brontë. Esta edição abre com um prefácio assinado por Charlotte, no qual procura reabilitar a imagem do romance e contextualizar a escrita e a personalidade de Emily. “A obra é rústica de fio a pavio”, escreve, acrescentando que “não poderia ser de outro modo, sendo a autora, como é, fruto e produto do urzal (mato de pouca altura)”.

O livro torna-se, nos anos seguintes, um clássico da literatura. Com apenas um livro publicado, Emily Brontë morre aos 30 anos, mas deixa a sua marca na literatura.

A narrativa acompanha a relação intensa e destrutiva entre Heathcliff e Catherine Earnshaw, iniciada na infância, na casa de família — o Monte dos Vendavais. A história começa quando o patriarca, Mr. Earnshaw, regressa de uma viagem a Liverpool com um rapaz órfão a quem dá o nome de Heathcliff, em memória do filho que perdeu.

O romance é contado através de uma estrutura narrativa complexa: Emily (Nelly) Dean, criada e dama de companhia de Catherine Earnshaw, relata os acontecimentos a Mr. Lockwood, um misantropo que decide arrendar a Granja dos Tordos, propriedade da família Linton, vizinha dos Earnshaw.

Na adaptação cinematográfica agora lançada, realizada por Emerald Fennell, esta estrutura narrativa é abandonada. Desde os primeiros minutos do filme percebe-se a ausência de um narrador interno, optando-se por uma abordagem mais direta e sensorial.

Outra diferença evidente prende-se com a simplificação do enredo. A multiplicidade de personagens e ligações familiares , que no livro pode gerar alguma confusão, é reduzida. Algumas personagens são eliminadas, outras nem chegam a entrar e parecem alterar a própria história (no livro, os comportamentos agressivos do pai de Catherine são perpetrados pelo seu irmão, Hindley, que não é incluído nesta versão cinematográfica), o que levanta a questão: será que o filme se devia intitular O Monte dos Vendavais – Parte I?

O filme mantém, no entanto, a assinatura estética de Emerald Fennell, conhecida por Promising Young Woman e Saltburn: visuais góticos estilizados, cores saturadas e uma banda sonora contemporânea, assinada por Charli XCX, que imprime uma leitura assumidamente moderna ao material original.

Desejo, corpo e toxicidade

Se no livro o amor entre Catherine e Heathcliff é obsessivo, destrutivo e muitas vezes anti-romântico, no filme a relação mantém esse grau de toxicidade, mas Emerald Fennell dá-lhe uma camada apaixonante, que normaliza os seus comportamentos.

O que não existe na obra escrita, no filme há de sobra, a tensão sexual é visível e dramatizada — o ovo esmagado, o voyeurismo, a descoberta do corpo junto aos rochedos.

Margot Robbie e Jacob Elordi, que interpretam Catherine e Heathcliff, parecem inicialmente demasiado velhos para os papéis. Ainda assim, conseguem incorporar o temperamento selvagem, infantil, turbulento e intenso das personagens.

A personagem de Heathcliff é descrita como um “cigano”, de “cabelo escuro”, uma caracterização que pouco dialoga com a presença de Jacob Elordi. Não se trata aqui de um puritanismo de fidelidade à obra, mas de compreender o peso dessa descrição na construção da personagem e da sua exclusão social.

Numa entrevista no programa The Graham Norton Show, a atriz Margot Robbie, também produtora do filme, revelou que a realizadora Emerald Fennell escolheu o ator australiano para o papel principal por associação visual: uma das capas de “O Monte dos Vendavais” apresentava um Heathcliff que, segundo Emerald Fennell, evocava a imagem de Jacob Elordi em Saltburn.

Duas dimensões permanecem fiéis à obra original: o comportamento das personagens e, sobretudo, a fotografia. Visualmente, a adaptação combina de forma convincente com a descrição literária. O Monte dos Vendavais, a Granja dos Tordos e o caminho que os separa parecem arrancados diretamente das páginas do romance — um espaço agreste, isolado e impregnado de tensão dramática.

No trailer, o filme é apresentado como inspirado numa das maiores histórias de amor de todos os tempos. A pergunta impõe-se: onde está esse amor? Emerald Fennell opta por reinterpretar o romance como uma celebração da paixão, suavizando o lado obsessivo e violento da história original, mesmo mantendo ecos da intensidade emocional das relações humanas.

A adaptação parece esquecer o que verdadeiramente importa: a natureza destas personagens e a forma como ela contamina as suas relações. Essa dureza nasce de uma educação negligente, da ausência de afeto e, no caso de Heathcliff, da amargura perante a sua posição social e da falta de instrução, são esses fatores que alimentam a sede de vingança que estrutura toda a narrativa.

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“Juntos somos a América”: o intervalo de Bad Bunny no Super Bowl celebra os imigrantes latinos e o amor. Bad Bunny protagonizou um dos momentos mais marcantes da história do tradicional intervalo do Super Bowl, combinando música, identidade cultural, participações inesperadas e uma carga simbólica num dos palcos mais vistos do mundo.

“Não fica bem falar de…” sexualidade depois dos 50. Mais do que fantasia, é conexão. Será que aos 30 anos já sabemos tudo sobre sexo? Ou será que a maturidade traz um novo ritmo, um novo prazer e uma relação mais livre com o corpo e o desejo? Para Marta Crawford, psicoterapeuta e sexóloga, a resposta é clara: a sexualidade pode melhorar, e muito, com a idade.

Harry Styles anuncia Listening Parties. Esta quinta-feira, o cantor britânico anunciou que vai organizar listening parties em 40 cidades espalhadas pelo mundo. E Lisboa é uma delas.

Zayn Malik revela que nunca esteve apaixonado por Gigi Hadid. O ex-membro dos One Direction foi convidado do podcast, Call Her Daddy, onde revelou que vai sempre ter uma ligação com a mãe da filha, mas que nunca esteve apaixonado por ela.

Morre o ator James Van Der Beek. O ator norte-americano morreu no dia 11 de fevereiro, aos 48 anos, vítima de cancro. Era conhecido pelo papel de Dawson Leery na série de sucesso “Dawson’s Creek”.

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Spider-Noir | Prime Video

Project Hail Mary | Amazon MGM Studios

One Piece: season 2 | Netflix

Vladimir | Netlix

Scarpetta | Prime Video

O ambiente era de Guerra Fria, que opunha os Estados Unidos da América, sob a presidência de Dwight D. Eisenhower, à antiga União Soviética liderada por Nikita Khrushchev. No centro do conflito geopolítico estava a República do Congo, antiga colónia belga, explorada sobretudo pelas suas vastas reservas de urânio — um recurso estratégico essencial para a produção da bomba atómica.

Para essa narrativa foram usados clipes de áudio, excertos de livros políticos, discursos, entrevistas, documentos oficiais e imagens históricas.

Nesse contexto, o Departamento de Estado norte-americano enviou músicos como Louis Armstrong em digressões por África, com o objectivo de “ganhar os corações e as mentes” das populações locais. O jazz tornava-se, assim, uma arma simbólica ao serviço da política externa norte-americana.

Do lado oposto, a antiga União Soviética, pela voz de Nikita Khrushchev, assumia uma posição crítica face ao poder neocolonial exercido no Congo. Nikita Khrushchev denunciava o racismo estrutural nos Estados Unidos e a cumplicidade das Nações Unidas na morte de Patrice Lumumba, defendendo uma descolonização global imediata.

Enquanto estes “embaixadores culturais” do jazz atuavam muitas vezes sob a tutela indireta da CIA, artistas como Louis Armstrong, Nina Simone, Duke Ellington, Dizzy Gillespie e Melba Liston enfrentavam um profundo dilema moral: como representar internacionalmente um país onde a segregação racial continuava a ser uma realidade quotidiana.

Ao colocar “Banda sonora” no título do documentário dá a indicaão que a música vai ter um papel mais relevante do que apenas apoio narrativo.

Durante o documentário, as passagens musicais sincronizam-se com a história. Representantes congoleses exigem liberdade em Bruxelas ao som de Thelonius Monk. Nina Simone canta “The Ballad of Hollis Brown” enquanto lemos no ecrã que foi enviada à Nigéria pela Sociedade Americana de Cultura Africana, uma fachada da CIA. Dizzy Gillespie fala sobre ser “tudo uma questão de ritmo” e dança enquanto o primeiro-ministro russo Nikita Khrushchev bate ritmicamente com o sapato na mesa da ONU. Louis Armstrong canta “I’m Confessin’ (that I Love You)” enquanto Eisenhower entretém Khrushchev em Camp David.

É neste cruzamento entre música, política e história que se inscreve o documentário do artista belga Johan Grimonprez, nomeado ao Óscar de melhor documentário, em 2026. Mais do que um filme sobre jazz, a obra reconstrói o processo de descolonização africana através da música, revelando como o jazz foi simultaneamente expressão artística, ferramenta diplomática e palco de resistência.

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Bad Bunny e Kendrick Lamar dominam Grammys. Os artistas conquistaram prémios importantes enquanto expressavam posições contra a agência de imigração norte-americana ICE. Kendrick Lamar tornou-se o rapper mais premiado da história dos Grammys.

Montenegro é a Rapunzel, Trump a Rainha de Copas. O mau tempo impossibilitou a inauguração oficial do Monumento ao Carnaval de Torres Vedras, mas a escultura já está exposta na sua totalidade para ser apreciada por quem lá passa e traz, como sempre, vários episódios de sátira política.

O filme “The Summer I turned Pretty” começa gravações em abril. A série baseada no livro homónimo de Jenny Han foi um sucesso e agora ganha nova adaptação para o grande ecrã. Todos os fãs da série vão poder matar saudades de Belly e dos dois irmãos, Conrad e Jeremiah.

Brooklyn Beckham remove tatuagem dedicada ao pai. O filho mais velho de David e Victoria Beckham decidiu cortar relações com os pais e os irmãos, alegando um mau relacionamento com ele e a mulher, Nicola Peltz-Beckham. Mais recentemente, revela o The Sun, o cozinheiro e fotógrafo parece ter removido o nome do pai da âncora tatuada no braço.

Anitta regressa a Portugal. A cantora anunciou um espetáculo inédito, “Os ensaios da Anitta”, no passeio marítimo de Algés, a 18 de julho.

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War Machine | Netflix

Rooster | HBO Max

Michael | Lionsgate movies

The Drama | A24

Outlander (Última temporada) | Sony Pictures

Segundo as autoridades, o grupo chegou ao museu cerca das 9h30, pouco depois da abertura. Quatro suspeitos usaram uma plataforma elevatória montada num veículo para aceder à Galeria de Apolo, através de uma varanda virada para o rio Sena. Dois deles cortaram uma janela com ferramentas elétricas, ameaçaram os seguranças, forçaram duas vitrinas e, em apenas quatro minutos, apoderaram-se de oito peças históricas antes de fugirem em duas scooters que os aguardavam no exterior.

Entre as joias roubadas encontram-se tiaras, colares, brincos e broches do século XIX, pertencentes a figuras como a imperatriz Eugénie, Marie Louise, Marie-Amélie e Hortense. As peças estão adornadas com milhares de diamantes e outras pedras preciosas. Duas delas, incluindo a coroa da imperatriz Eugénie, foram mais tarde encontradas danificadas nas imediações do museu, aparentemente deixadas cair durante a fuga.

O documentário reúne testemunhos de pessoas que estavam no local, entrevistas com antigos assaltantes, análises forenses e comentários de especialistas em segurança para explicar como falhas críticas, como a ausência de câmaras de vigilância em várias salas e um alarme local avariado, foram exploradas pelos ladrões. Especialistas alertam ainda que joias deste tipo são frequentemente desmontadas e vendidas em partes, o que dificulta a sua recuperação.

Para além da reconstituição do crime, o especial analisa as consequências políticas e culturais do assalto: o encerramento temporário do Louvre, a investigação em curso que envolve cerca de 60 inspetores, o receio de perda irreversível de património histórico e o debate sobre a fragilidade da segurança em museus. O roubo gerou forte indignação pública, com o Presidente Emmanuel Macron a classificá-lo como “um ataque à história” francesa.

A estreia de “Louvre Heist: Minute by Minute” acontece domingo, 1 de fevereiro, às 22h, no ID – Investigação Discovery, estando também disponível em streaming na HBO Max.

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🎞️ Na Internet, no mundo e na cultura pop

Disney+ transmite 98.ª edição dos Óscares. Será transmitida em direto em Portugal no domingo, 15 de março, a partir das 23h00. Pelo segundo ano consecutivo, a cerimónia será apresentada pelo humorista Conan O’Brien.

“Não fica bem falar de...” peso. No novo episódio do videocast da Wells, apresentado por Jessica Athayde, a criadora de conteúdos digitais e voz ativa na aceitação corporal, Carmo Sousa Lara, e a nutricionista especializada em fertilidade, gravidez e pós-parto, Marta Magriço, conversam abertamente sobre a relação com o corpo, a comida e as inevitáveis flutuações de peso ao longo da vida.

Miss Monique, no LX Factory. O LX Factory, em Lisboa, recebe no dia 7 de março a DJ e produtora ucraniana Miss Monique, que se destaca no progressive house e no melodic techno. A artista tem também utilizado a projeção internacional para chamar a atenção para a situação humanitária na Ucrânia, promovendo mensagens de solidariedade e paz.

Festival da Canção 2026. O Festival da Canção 2026 revelou os intérpretes e as 16 canções que vão marcar a nova edição do concurso, assinalando o arranque oficial de um dos maiores eventos da música portuguesa contemporânea.

Dino de Santiago. De 23 de janeiro a 28 de março, o cantor Dino D´Santiago apresenta 30 obras realizadas a tinta da china sobre papel e cartão colorido na Galeria Underdogs, em Lisboa, com entrada gratuita. A exposição “Portal do Retorno” é inspirada no tráfico de pessoas africanas.

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Being Gordon Ramsay (Documentário | Netflix)
Steal (Filme | Prime Video)
If I Had Legs I’d Kick You (Filme | A24)
When You Finish Saving The World (Filme | A24)

Numa altura em que nos habituámos a esperar anos entre temporadas, The Pitt (HBO) surpreende ao estrear a segunda temporada menos de um ano depois da primeira.

A série mantém o formato inovador, em que cada episódio corresponde a uma hora de um turno de 15 horas no Pittsburgh Trauma Medical Center, permitindo uma narrativa em tempo real que reforça o realismo da rotina hospitalar, e que nos faz ter vontade de devorar os episódios de seguida. É impossível, The Pitt estreia um episódio por semana, à sexta-feira. É frenética e demora o seu tempo, é um retrato cru e duro sobre o sistema americano (mundial?) e ao mesmo tempo deixa espaço à esperança.

Desta vez, a ação decorre dez meses depois dos acontecimentos da primeira temporada, no dia 4 de julho, tradicionalmente o mais caótico do ano num serviço de urgência nos Estados Unidos, onde são comuns os acidentes com fogo-de-artifício, excessos próprios das celebrações e problemas como a desidratação.

O Dr. Michael “Robby” Robinavitch (Noah Wyle), o herói que não sabíamos que precisávamos, continua a ser o pilar emocional e moral da série, agora a preparar-se para uma licença sabática de três meses, onde só podemos desejar que vá tratar da sua saúde mental.

O pragmatismo e experiência de Robby colidem com a chegada da médica Baran Al-Hashimi (Sepideh Moafi), médica inovadora que pretende implementar ferramentas de inteligência artificial no hospital, incluindo software de ditado para relatórios clínicos, trazendo de forma orgânica o debate sobre segurança, eficiência e ética médica.

Grande parte do elenco da primeira temporada regressa, a principal ausência é a médica Heather Collins (Tracy Ifeachor), cuja saída foi justificada pelo fim do arco narrativo.

The Pitt distingue-se pelo realismo clínico, representação fiel do trabalho hospitalar, pressões emocionais e desgaste físico (e mental) dos profissionais de saúde, evitando melodrama e choque gratuito, privilegia sim momentos de humanidade e empatia. Mais uma vez a escolha da banda sonora é o som natural, não há nenhuma música de fundo, transportando-nos para qualquer serviço de urgência onde já tenhamos estado.

A autenticidade é conseguida através da consultoria constante de médicos e enfermeiros que garante verosimilhança a procedimentos e hierarquias. E prova disso são os vários depoimentos de médicos nas redes sociais a destacar a impressionante semelhança com uma urgência hospitalar e, acima de tudo, com o impacto de um turno na estabilidade emocional de um profissional de saúde.

O médico conhecido por levar ciência às redes sociais e desmontar a pseudo-ciência, Dr. Mike, já revelou ser um fã de The Pitt e nos reacts à série tem elogiado a similaridade com o dia-dia. Na passadeira vermelha dos Globos de Ouro, descobrimos que os atores de The Pitt também são fãs de Dr. Mike.

A série aborda ainda temas contemporâneos, incluindo a introdução de IA na prática clínica, tensões entre tradição e inovação, precariedade no sistema de saúde, imigração, violência armada, violência doméstica e acesso limitado a cuidados médicos. Ao mesmo tempo, explora relações pessoais e dilemas éticos: ligações secretas, recuperação de dependências e conflitos entre colegas.

A segunda temporada estreou com 5,4 milhões de espectadores nos primeiros três dias, aumentando para 7,2 milhões na semana seguinte nos EUA, consolidando o sucesso da primeira. A série foi aclamada pela crítica, destacando-se pelo realismo, intensidade e profundidade emocional, e recebeu cinco Emmys e dois Globos de Ouro, incluindo prémios para Noah Wyle como melhor ator e para The Pitt como melhor série dramática.

Em The Pitt, os médicos têm vida pessoal, mas ao contrário da maioria das séries médicas a que nos habituámos a narrativa mantém-se focada na experiência humana de médicos, enfermeiros e pacientes, com casos complexos, tensão constante e pequenos gestos de bondade.

Gravada sempre no mesmo cenário, é um retrato realista e emocional do trabalho hospitalar pós-pandemia. Cada episódio é filmado em ordem cronológica, em Los Angeles, sem recurso a CGI e o protagonista Noah Wyle é também produtor executivo, escritor e realizador ocasional. Apesar de um processo legal movido pela viúva de Michael Crichton, alegando que a série violava direitos sobre ER, a produção defende-se como sendo obra original, com elenco, enredos e abordagem distintos.

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“Capitão Fausto”. A banda portuguesa lança o no single e antes de partir em digressão estreia-se na maior sala do país. Escolhas é apresentado no MEO Arena, em Lisboa, no dia 24 de janeiro.

“O cavaleiro dos sete reinos”. Nos últimos dias do reinado do Rei Daeron, com os Sete Reinos em paz, seguimos Dunk, um jovem escudeiro à procura de fama e glória num dos torneios mais famosos de Westeros. O 24notícias publicou um excerto do livro no dia em que a obra chegou à HBO Max.

“Shrinking”. A 3ª temporada de Shrinking estreia a 28 de janeiro, na Apple TV. Voltamos a acompanhar Jimmy Johns (Jason Segel) a desafiar as normas da ética enquanto ultrapassa o luto pela morte da sua mulher.

Morreu Valentino. Valentino Garavani morreu em Roma, aos 93 anos, a cidade que adotou como pátria de eleição e onde viveu e trabalhou durante grande parte da sua vida.

Novo álbum de Harry Styles. Harry Styles anuncia o seu quarto álbum a solo, Kiss All the Time. Depois de uma série de outdoors enigmáticos que despertaram a curiosidade dos fãs, o cantor de As It Was revelou o título e a data de lançamento do seu primeiro disco desde 2022.

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Bridgerton (Série | Netflix)
Hunger Games (Filme | Lionsgate Films UK)
The Odissey (Filme | Universal Pictures)
Agatha Christie’s Seven Dials (Filme | Netflix )

A longa-metragem centra-se na história de amor entre William Shakespeare e Agnes, numa abordagem que se afasta da biografia tradicional para dar destaque à dimensão mais íntima e familiar do dramaturgo. Will surge como tutor de latim, profissão que exerce para ajudar a saldar as dívidas do pai, enquanto Agnes é apresentada como a mais velha de um grupo de irmãos que perdeu a mãe muito cedo, mas herdou dela um vasto conhecimento sobre a natureza e a cura, motivo pelo qual acaba por ser rotulada de “bruxa”.

O filme acompanha o início da relação do casal, a insatisfação de Shakespeare com a vida em Stratford e a decisão de partir para Londres, onde procura dar continuidade ao negócio do pai, ligado à produção de luvas, ao mesmo tempo que começa a afirmar-se como escritor e ator nas companhias de teatro da época.

Dessa união nascem três filhos: Susannah, a primogénita, e os gémeos Judith e Hamnet, sendo este último a figura que assume maior peso emocional na narrativa.

Baseado no romance homónimo de Maggie O’Farrell, Hamnet (2020), o argumento cruza elementos históricos com ficção, construindo uma reflexão sensível sobre o amor, a perda e a forma como a experiência pessoal pode transformar-se em criação artística. Na obra, e no filme, a morte de Hamnet, aos 11 anos, surge como um acontecimento determinante, sugerindo-se que terá inspirado Shakespeare a escrever Hamlet. Embora, historicamente, a causa da morte do rapaz permaneça desconhecida, a narrativa cinematográfica opta por retratá-la como consequência da peste bubónica.

Logo no início, é também sublinhado que, de acordo com registos de Stratford-upon-Avon, terra natal de Shakespeare, os nomes Hamnet e Hamlet são variações do mesmo nome, um detalhe que reforça a ligação simbólica entre a vida do autor e a sua obra.

Sem pretender ser um retrato histórico rigoroso, o filme aposta numa leitura emocional do processo criativo, propondo a arte como espaço de catarse e transformação da dor.

No discurso após vencer o prémio de Melhor Filme nos Globos de Ouro 2026, a realizadora Chloé Zhao — vencedora do Óscar de Melhor Realização com Nomadland — partilhou uma reflexão do ator Paul Mescal sobre a experiência de atuar em Hamnet, que sintetiza a visão do filme sobre a arte como espaço de vulnerabilidade e partilha emocional:

“Fazer Hamnet é perceber que a coisa mais importante em ser artista é aprender a ser vulnerável: permitir-se ser visto tal como se é, e não como se acha que deveria ser. É entregar-se ao mundo por inteiro — até nas partes de nós que nos envergonham, que tememos mostrar por serem imperfeitas. E quando fazemos isso, damos também aos outros a mesma permissão: a de se verem a si próprios.”

Produzido por Steven Spielberg, o filme revisita uma das figuras mais universais da literatura, autor de Romeu e Julieta, Hamlet e Macbeth, a partir de uma perspetiva mais humana e íntima, onde a criação artística surge como resposta à dor e à perda.

Para além das interpretações dos protagonistas, com Jessie Buckley já distinguida com o Globo de Ouro de Melhor Atriz, destacam-se ainda os desempenhos dos irmãos Jacobi e Noah Jupe, que dão vida, respetivamente, a Hamnet e Hamlet.

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“Kiss All the Time. Disco, Occasionally”. Harry Styles está de regresso com música nova. O ex-membro dos One Direction anunciou hoje o lançamento do seu quarto álbum de originais, intitulado “Kiss All the Time. Disco, Occasionally”, com lançamento previsto para o dia 6 de março de 2026.

“Louvre Heist: Minute by Minute”. Um dos roubos mais audaciosos da história moderna será reconstruído em detalhe no novo documentário “Louvre Heist: Minute by Minute”, que estreia domingo, 1 de fevereiro, às 22h00, no canal Investigation Discovery (ID) e na HBO Max.

O regresso de Rihanna. A cantora e fundadora da marca Fendi Beauty vai lançar novo álbum e voltar aos palcos com a “Anti World Tour”, em 2026.

Gracie Abrams estreia-se como atriz. Segundo o Deadline, a cantora nomeada para os Grammy foi escolhida para o papel principal do próximo filme da A24, Please.

Bruno Fernandes vítima de ataque informático. O Manchester United foi obrigado a emitir um comunicado depois de a conta de Bruno Fernandes na rede social X ter sido alvo de um ataque informático. O capitão dos “red devils” perdeu o controlo do perfil apenas algumas horas após a derrota frente ao Brighton na Taça de Inglaterra, revela o The Mirror.

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The Dreadful (Filme | Lionsgate)
The Bride! (Filme | Warner Bros. Pictures)
The Bluff (Filme | Amazon MGM Studios)
Euphoria (Temporada 3 | HBO)

A famosa sitcom americana segue Ray Barone, um jornalista desportivo que tenta equilibrar a carreira com a vida familiar caótica. A série mostra o convívio entre três gerações — Ray, a mulher Debra, os pais Marie e Frank e o irmão Robert — gerando situações cómicas a cada episódio.

A série, criada por Phil Rosenthal, conta com nove temporadas e conquistou 15 Emmys, incluindo Melhor Série de Comédia em 2003 e 2005. O elenco também foi várias vezes premiado, destacando-se Ray Romano e Patricia Heaton.

“Everybody Loves Raymond” estreia no STAR Comedy na segunda-feira, 12 de janeiro, às 21h25, com episódio duplo, e será emitida de segunda a sexta-feira, sempre em episódio duplo. A série que apaixonou os espectadores há 30 anos, teve um regresso inesperado em 2025 com um especial de 30.º aniversário de Everybody Loves Raymond.

O especial, que ainda não se sabe se chegará a Portugal, celebrou quase três décadas desde a estreia da série em 13 de setembro de 1996. Exibido originalmente a 24 de novembro de 2025 na CBS, com transmissão em streaming no Paramount+, o especial teve 90 minutos de duração e reuniu o criador Phil Rosenthal e grande parte do elenco original, incluindo Ray Romano, Patricia Heaton, Brad Garrett, Monica Horan e os irmãos Madylin e Sullivan Sweeten.

O set original do apartamento de Ray e Debra foi recriado com atenção aos mínimos detalhes, preservando apenas o sofá original, e a gravação aconteceu perante uma audiência ao vivo, proporcionando uma experiência nostálgica e emocional, descrita por Patricia Heaton como tendo uma sensação de “Twilight Zone” e por Romano como “emocional e surreal”. Após a exibição, o cenário foi levado para o Long Island Music and Entertainment Hall of Fame, permitindo que os fãs pudessem reviver o lar dos Barone publicamente.

Ray Romano e Phil Rosenthal enfatizaram desde o início que o especial era uma reunião, não um reboot, principalmente porque três membros essenciais do elenco – Peter Boyle, Doris Roberts e Sawyer Sweeten – estavam ausentes. O especial foi espontâneo, sem guiões, usando apenas tópicos-guia para conversas e sessões de perguntas e respostas com o público. Durante o evento, foram homenageados os falecidos Peter Boyle e Doris Roberts, assim como Sawyer Sweeten, irmão gémeo de Sullivan, que morreu por suicídio em 2015. Madylin e Sullivan Sweeten compartilharam lembranças do irmão, destacando a importância da prevenção do suicídio, e a família Sweeten continua a colaborar com a National Suicide Prevention Hotline, arrecadando fundos em memória de Sawyer.

O especial também trouxe momentos divertidos e recordações de episódios icónicos, incluindo a famosa brincadeira do “Fruit of the Month” e a cena final da série. Durante a sessão de perguntas com o público, Brad Garrett recriou espontaneamente a famosa dança de Robert, e Romano recordou acidentes de filmagem, como a cena da mosca no episódio “She’s the One”, em que, conta, quase desmaiou ao gritar com Brad Garrett, e outro episódio em que cortou o dedo com queijo, precisando de pontos, mas voltou às gravações apenas duas horas depois.

Os bloopers mostraram Romano a improvisar piadas, como acontecia frequentemente na série. O elenco também revelou os seus episódios favoritos, incluindo “Talk To Your Daughter” e “Bad Moon Rising” de Romano, “Baggage” de Patricia Heaton, “Lucky Suit” de Brad Garrett, “Pat’s Secret” de Horan, “Marie’s Statue” de Madylin e o final da série, escolhido por Sullivan Sweeten. Linhas icónicas, como “What did you do?” de Debra e “You tricky, tricky white boy” de Ray, foram destacadas, assim como frases memoráveis de Rosenthal e de Frank Barone.

A escolha do elenco original foi lembrada com carinho durante o reencontro. Patricia Heaton conseguiu o papel de Debra Barone ao beijar Ray Romano de verdade durante a audição, gesto decisivo para se destacar entre mais de 200 candidatas. Doris Roberts foi escolhida para Marie Barone após superar mais de 100 atrizes na cena “Fruit of the Month”, enquanto Brad Garrett surpreendeu pela altura e personalidade, e Monica Horan foi indicada por um escritor do show.

Série de culto?

Nos anos 90 havia milhares de pessoas que se identificavam com a série, que agora pode ser revista no Star Comedy, exatamente porque se baseou grande parte das suas histórias em experiências reais de Ray Romano, Phil Rosenthal e dos escritores, com personagens inspirados em familiares reais, como Marie, inspirada na mãe de Phil Rosenthal, e Robert, baseado no irmão de Romano. Episódios como “The Anniversary” refletiam separações e experiências pessoais da vida de Ray Romano. As pessoas começavam a ver pelo absurdo e ficavam pela autenticidade.

O especial enfatizou a química duradoura do elenco e o ambiente familiar da série. Patricia Heaton descreveu o reencontro como “muito emocional e comovente”, destacando a surpresa de ver o set reconstruído e a sensação de reunir amigos próximos após tantos anos. Momentos pessoais, como o encontro de Patricia Heaton com o bebé de Madylin Sweeten, que interpretou Ally na série, reforçaram a emoção e nostalgia. Ray Romano, Brad Garrett, Patricia Heaton e Phil Rosenthal refletiram sobre a alegria de trabalhar juntos diariamente e sobre como a série retratava famílias reais, com falhas mas unidas pelo amor.

A segunda parte do especial, foi transmitida a 22 de dezembro de 2025, teve 60 minutos de duração e trouxe material inédito, incluindo entrevistas pré-gravadas com escritores, produtores e convidados, além de cenas cortadas da reunião original. O cenário foi novamente recriado, mantendo a interação do elenco com o ambiente familiar, e os tributos emocionantes aos falecidos continuaram. Phil Rosenthal explicou que a data do especial, embora 29 anos após a estreia da série, baseia-se no momento em que conheceu Romano e escreveu o piloto em 1995.

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O regresso de Twilight? Kristen Stewart revelou que estaria disposta a aceitar “na boa” a possibilidade de participar num remake da saga Twilight, caso surgisse essa oportunidade.

O novo álbum de Bruno Mars. Dez anos depois do lançamento do último álbum a solo, 24K Magic, Bruno Mars revelou que o próximo trabalho de estúdio já está concluído. O anúncio foi feito esta segunda-feira, dia 5, através de uma publicação na rede social X, onde o cantor escreveu apenas: “O meu álbum está pronto.”

Música de Shakira “persegue” Piqué. No domingo, enquanto passeava pelas ruas de Ceuta, em Espanha, o ex-jogador do Barcelona foi seguido por um carro que circulava a tocar a música, Bizarrap Music Sessions Vol. 53, em alto volume. O momento foi registado e rapidamente partilhado nas redes sociais.

20 anos de Hannah Montana. Miley Cyrus afirmou, esta semana, que já começou a pensar e a planear a celebração dos 20 anos de Hannah Montana, a série da Disney que a transformou numa estrela global.

O adeus de Ruben Amorim a Old Trafford. Na segunda-feira, em comunicado, o Manchester United anunciou que “Ruben Amorim deixou o cargo de treinador principal do Manchester United”.

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The death of Robin Hood (Filme | A24)

Steal (Série | Amazon Prime Video)

They will kill you (Filme | Warner Bros.)

The rip (Filme | Netflix)

O 24notícias assistiu ao filme em Espanha, já que, em Portugal, a estreia está marcada apenas para 29 de janeiro. Até lá, fica um breve resumo e a data a apontar na agenda para o ver nos cinemas nacionais.

A narrativa inicia-se com a voz de Nora, a filha mais velha, que descreve a casa onde cresceu. O texto ouvido foi escrito quando tinha apenas sete anos, e apresenta a casa como uma testemunha silenciosa das coisas boas e más que atravessam uma vida. Foi ali, numa casa construída há alguns anos, que viveu Gustav Borg, realizador, pai de Nora e Nina, um homem marcado por um passado duro e por um relacionamento complicado com a mãe das filhas.

Nora e Nina cresceram num ambiente fraturado pelas discussões dos pais e pela ausência frequente do pai. Nora tornou-se o ponto de refúgio da irmã mais nova, uma espécie de porto seguro. 

Anos mais tarde, após a morte da mãe, Gustav regressa e tenta reconciliar-se com as filhas através da arte, escreve um filme sobre a própria família e deseja que Nora seja a protagonista. Nora é atriz e, no momento, em que o filme começa prepara-se para uma peça de teatro, mas sofre um ataque de pânico antes. Gustav pede também ajuda a Nina, que é professora de história, para trabalhar algumas passagens e contextualizar momentos do guião.

Nora, porém, tem uma relação difícil com o pai e resiste ao convite. É então que surge Rachel, uma atriz norte-americana interpretada por Elle Fanning. Embora a presença de Rachel aparente servir de solução, Gustav sabe que apenas a filha pode realmente interpretar aquele papel, porque ali está a sua própria história.

O filme convida a olhar para o poder da arte. A capacidade de tocar, curar e expor feridas profundas numa família destroçada. Joachim Trier mostra-se capaz, como já fizera no último filme “A pior pessoa do mundo”, de trabalhar com o corpo e a emoção do espectador, mexendo nas entranhas daquilo que se sente e revelando, com franqueza, que compreende e expõe a vulnerabilidade humana.

Sentimental Value já foi amplamente aclamado pela crítica e conta com potenciais nomeações aos Óscares, ainda não confirmadas, nas categorias de Melhor Atriz, Melhor Ator Secundário, Melhor Atriz Secundária e Melhor Filme Internacional.

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Brigitte Bardot, o rosto da liberdade: da revolução no ecrã ao combate pelos animais. Brigitte Bardot, atriz francesa que marcou o cinema do pós-guerra, símbolo de libertação feminina e uma das maiores figuras culturais do século XX, morreu aos 91 anos, anunciou a Fundação Brigitte Bardot.

Filipe La Féria recebe Medalha de Mérito Cultural. O encenador, dramaturgo, cenógrafo e figurinista Filipe La Féria vai ser distinguido com a Medalha de Mérito Cultural, anunciou o Ministério da Cultura, Juventude e Desporto.

George Clooney adquire cidadania francesa para proteger privacidade dos filhos. George Clooney, a esposa Amal e os filhos receberam a cidadania francesa, destacando a proteção da privacidade das crianças como fator decisivo para a mudança.

Beyoncé é bilionária. A cantora norte-americana junta-se agora ao restrito grupo de celebridades, chegando à marca de dez dígitos em património acumulado. Dos 22 artistas bilionários identificados pela Forbes, quase metade entrou para a lista nos últimos três anos. Torna-se a quinta artista a alcançar o estatuto, ao lado de Jay-Z, Taylor Swift, Bruce Springsteen e Rihanna.

Taylor Swift faz novas doações de caridade. Taylor Swift mantém vivo o espírito natalício com novas doações, revela a Rolling Stones, desta vez ao Monroe Carell Jr. Children’s Hospital, em Nashville, e à organização Operation Breakthrough, em Kansas City. Mais um gesto solidário depois de, esta temporada, já ter contribuído para entidades como a Feeding America (organização sem fins lucrativos de bancos alimentares) e a MusiCares (Segundo o site, “a MusiCares ajuda as pessoas por detrás da música, porque a música dá tanto ao mundo”).

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Malcolm in the Middle: Life’s Still Unfair (Série | hulu)

Bridgerton (Temporada 4 | Netflix)

How to make a killing (Filme | A24)

The boys (Temporada final | Amazon Prime)

1. Pluribus 

Num mundo dominado por uma onda misteriosa de “felicidade forçada”, Pluribus acompanha Carol Sturka, uma das poucas pessoas imunes a este fenómeno que parece ter conquistado a humanidade. Enquanto a maioria da população vive num estado de bem-estar artificial, Carol apercebe-se de que algo está errado e decide investigar a origem desta aparente utopia.

A série volta ao lado de ficção científica do autor, Vince Gilligan (autor dos sucessos como Breaking Bad e Better Call Saul), que explorou em programas como The X-files (Ficheiros Secretos em Portugal)

2. The White Lotus (Temporada 3)

A série criada por Mike White tem sido um sucesso desde a primeira temporada, levando os espectadores a explorar, em cada temporada, um destino diferente: na primeira o Havai, na segunda Sicília e nesta terceira um luxuoso resort na Tailândia.

Como é habitual na série, cada temporada começa com uma morte misteriosa num hotel, e o restante enredo foca‑se numa análise profunda dos dramas internos e das relações complexas entre os hóspedes e a equipa do resort, culminando num desfecho surpreendente e revelador.

Quem ainda se lembra do “These gays... They´re trying to kill me”?

3. The Studio 

Uma série de comédia satírica norte‑americana criada por Seth Rogen que estreou a 26 de março de 2025 na Apple TV+. A história acompanha Matt Remick, interpretado pelo próprio Seth Rogen, executivo de um grande estúdio de Hollywood que tenta conciliar a sua paixão por filmes de qualidade com as exigências comerciais e a cultura corporativa da indústria cinematográfica

4. Adolescence

Esta minissérie britânica foi lançada a 13 de março de 2025 pela Netflix. A obra, criada por Jack Thorne e Stephen Graham e realizada por Philip Barantini, acompanha a história de Jamie Miller, um adolescente de 13 anos que é detido sob acusação de ter assassinado uma colega de escola. A narrativa explora não apenas o crime em si, mas as consequências emocionais e sociais para a família, a comunidade escolar e os envolvidos na investigação.

A série foi proposta pelo criador Jack Thorne para ser emitida no parlamento e também nas escolas do Reino Unido. O pedido foi apoiado pelo primeiro-ministro britânico, Keir Starmer, que reconheceu o “problema emergente e crescente” da violência vinda das redes sociais.

O ator Owen Cooper ganhou o seu primeiro Emmy pelo papel na minissérie com apenas 15 anos.

5. Severance (Temporada 2) 

A segunda temporada da série Severance, sucesso de crítica transmitido pela Apple TV+, estreou a 17 de janeiro de 2025, após quase três anos de espera desde o final da primeira temporada. A produção continua a explorar o universo da Lumon Industries, onde os funcionários se submetem a um procedimento extremo que separa as memórias de trabalho das pessoais, criando uma divisão radical entre “innies” (identidades no trabalho) e “outies” (identidades fora do trabalho)

6.Stranger Things (Temporada 5)

Nesta nova temporada percebe-se que “Eleven, Mike, Dustin, Lucas e Max já não são as crianças da primeira temporada de Stranger Things e Stranger Things também já não é a mesma série”.

Lançada a 26 de novembro a primeira parte, composta pelos quatro primeiros episódios, acumulou 59,6 milhões de visualizações nos primeiros cinco dias, estabelecendo a estreia como a mais bem-sucedida de sempre de uma série falada em inglês na plataforma.

7. Ruído 

O humorista Bruno Nogueira tem vindo a marcar o panorama audiovisual português com séries como Contemporâneos, Último a Sair e Sara. Este ano, reuniu-se com o colega de longa data Frederico Pombares, juntando‑se a estes Luís Araújo, ator e roteirista português, e o sangue novo da comédia, Carlos Coutinho Vilhena.

Ao longo de oito episódios, a narrativa acompanha um grupo de atores e argumentistas que decide criar um movimento clandestino para que as pessoas possam rir em segredo, numa forma de resistência à repressão. Ruído combina humor e sátira com uma reflexão sobre temas como censura, liberdade de expressão e o papel transformador da comédia.

8. Porta Premium 

Ramiro e a sua agência imobiliária, Porta Premium, satirizam o mercado imobiliário em Portugal. Criada e realizada por Tota Alves, a série acompamha o quotidiano de uma agência imobiliária de Loures, onde os consultores acreditam que um filme em produção  vai destacar o seu trabalho, enquanto a realizadora procura expor os momentos mais caricatos e contraditórios do seto

9.  The last of us (segunda temporada) 

A série adaptada do videojogo The Last of Us foi um sucesso imediato logo na primeira temporada com as prestações de Pedro Pascal e Bella Ramsey nos papéis principais.

Estreou a 13 de abril de 2025, a história decorre cinco anos após os acontecimentos da primeira temporada e segue novamente Joel (Pedro Pascal) e Ellie (Bella Ramsey) num mundo devastado por uma pandemia causada por um fungo mutante que transforma grande parte da humanidade em criaturas violentas. À medida que enfrentam um ambiente ainda mais brutal e imprevisível, a relação entre os dois protagonistas torna‑se mais tensa, reflexo das difíceis decisões tomadas no passado.

10. Your Friends and neighors 

Nas redes sociais tem circulado um vídeo do ator Jon Hamm a dançar com os olhos fechados na discoteca. Essa cena é retirada da série Your Friends and Neighbors.

Your Friends & Neighbors é uma série de drama com toques de humor negro criada por Jonathan Tropper para a Apple TV+. A primeira temporada estreou a 11 de abril de 2025 com lançamento global de dois episódios e os restantes a sair semanalmente.

A história acompanha Andrew “Coop” Cooper (interpretado por Jon Hamm), um gestor de fundos de investimento recentemente despedido e divorciado que, para tentar manter o estilo de vida confortável a que está habituado, começa a roubar objetos de luxo às casas dos seus vizinhos ricos na fictícia Westmont Village. À medida que se envolve em crimes menores, descobre segredos e relações perigosas que se escondem por detrás das fachadas abastadas.

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Sozinho em Casa: o filme que a Warner Bros. cancelou e a Fox salvou. Hoje é difícil imaginar o Natal sem Sozinho em Casa, mas o clássico de 1990 esteve muito perto de nunca chegar às salas de cinema. Antes de se tornar um dos filmes mais lucrativos da história, a produção foi abruptamente interrompida pela Warner Bros., o estúdio que detinha inicialmente o projeto.

Spotify alvo de pirataria. Um grupo de ativistas ligado à pirataria terá extraído ilegalmente conteúdos da biblioteca musical do Spotify, num ataque que terá permitido o acesso a cerca de 86 milhões de ficheiros de áudio, revela a Billboard.

O romance entre Shawn Mendes e Bruna Marquezine. Segundo os mais recentes relatos e aparições públicas, o cantor canadiano estará a viver um romance com a atriz brasileira Bruna Marquezine.

Ator Jack Black desejou as melhoras a Nuno Markl. No recente episódio do podcast de Bruno Nogueira, Isso não se diz, o humorista confidenciou que Jack Black, ator do qual é fã, lhe enviou uma mensagem de melhoras, lembrando que Nuno Markl sofreu dois AVC em dois meses. A intermediária foi a atriz portuguesa Daniela Melchior que gravou o filme “Anaconda” com o ator norte-americano.

Zanga na família Beckham. Segundo o The Guardian, a relação entre a família Beckham e o seu filho mais velho, Brooklyn Beckham, juntamente com a mulher, Nicola Peltz, estará novamente a atravessar um período de tensão. Depois de anos marcados por uma convivência difícil entre a família e a nora, surgem agora sinais de um afastamento entre as duas partes.

🎬 Os novos trailers

• The Odyssey (Filme | Universal Pictures)

• The Beauty: Lindos de Morrer (Série | Fx)

• Vingadores: Doutor Destino (Filme | Marvel)

• Street Fighter (Filme | Legendary Pictures)

• Homem Aranha: Um novo dia (Filme | Marvel)

• Young Sherlock (Série | Prime Video)

Nos últimos meses, o Acho Que Vais Gostar Disto destacou filmes que conquistaram a crítica, reforçaram parcerias criativas já consolidadas, revisitaram obras literárias e exploraram histórias familiares intensas. Quase no final do ano reuniu-se uma lista de dez filmes de 2025 que encheram salas de cinema e festivais, bem como outros que possibilitaram ficar confortavelmente no sofá.

10. Batalha Atrás de Batalha

A colaboração entre Paul Thomas Anderson e Leonardo DiCaprio parece inevitável e plenamente justificada. Em Batalha atrás de Batalha, o realizador mergulha num retrato inquietante de um mundo em radicalização, explorando tensões políticas, ideológicas e sociais.

DiCaprio surge como a escolha ideal para dar corpo a esse radicalismo contemporâneo, num papel exigente que oscila entre o carisma e o desconforto. O resultado é um filme provocador, à imagem do cinema de PTA, que desafia o espectador a olhar de frente para o presente.

9. O Agente Secreto

O cinema brasileiro volta a afirmar-se internacionalmente com O Agente Secreto, de Kleber Mendonça Filho. À semelhança de Ainda Estou Aqui, o realizador regressa à memória da ditadura militar brasileira, desta vez através de uma narrativa de espionagem e resistência.

Wagner Moura assume o papel principal, dando vida a uma personagem marcada pela ambiguidade moral e pela tensão constante entre sobrevivência e compromisso político.

8. Jay Kelly

Dirigido por Noah Baumbach, o filme está disponível na Netflix e tem como protagonistas George Clooney e Adam Sandler.

A história acompanha Jay Kelly, um ator famoso que embarca numa viagem de descoberta pessoal, confrontando-se com o seu passado e presente, acompanhado pelo agente Ron.

Segundo o Screen Daily, numa das cenas em que a personagem assiste a um showreel da sua carreira foram utilizadas imagens reais da carreira de George Clooney. “Eu não tinha ideia de que seriam os meus próprios filmes”, confessou George Clooney.

7. Frankenstein

Guillermo del Toro regressa a um dos mitos fundadores da literatura e do cinema com a sua versão de Frankenstein. Mais do que uma história de terror, o realizador propõe uma reflexão sobre a criação, a rejeição e a condição humana, temas recorrentes na sua filmografia.

Com uma abordagem visualmente exuberante e emocionalmente trágica, esta adaptação promete ser uma das leituras mais pessoais e sensíveis do clássico de Mary Shelley, reafirmando del Toro como um autor de mundos sombrios profundamente humanos.

6. Pecadores

Pecadores afirma-se como um drama intenso sobre culpa, moralidade e redenção. O filme acompanha personagens à margem, confrontadas com escolhas que têm consequências irreversíveis, num ambiente marcado por tensão psicológica e dilemas éticos.

Com uma realização segura e interpretações contidas, o filme destaca-se pela forma como recusa respostas fáceis, deixando o espectador num terreno de ambiguidade desconfortável e, precisamente por isso, memorável

5. Wicked: pelo bem 

A aguardada continuação de Wicked aprofunda o universo iniciado no primeiro filme, a relação entre Elphaba, a futura Bruxa Má do Oeste, e a sua relação com Glinda, a Bruxa Boa do Norte. A segunda parte de uma adaptação cinematográfica em duas partes do musical da Broadway que explora as consequências das escolhas feitas e a redefinição das personagens centrais.

4. Zootropolis 2

A sequela de Zootrópolis regressa a um dos universos mais inteligentes da animação recente. Mantendo o humor e a crítica social que marcaram o primeiro filme, esta nova aventura aprofunda temas como preconceito, poder e convivência numa sociedade diversa.

Com novos personagens e desafios, Zootrópolis 2 prova que o cinema de animação pode ser simultaneamente acessível e politicamente relevante.

3. Jurassic world: O Renascimento

A saga do Mundo Jurássico volta a reinventar-se com O Renascimento, um filme que procura recuperar o sentido de maravilhamento e perigo que marcou o original de 1993.

No filme protagonizado por Scarlett Johansson e Jonathan Bailey, cinco anos após Mundo Jurássico: Domínio (2022), uma expedição desbrava regiões equatoriais isoladas para extrair ADN de três enormes criaturas pré-históricas para um avanço médico inovador.

2. Bugonia 

O novo filme de Yorgos Lanthimos é fiel ao estilo provocador, o realizador apresenta uma obra absurda, inquietante e profundamente crítica da sociedade contemporânea.

Com interpretações fortes e uma linguagem visual marcante, Bugonia é a quarta colaboração entre a atriz Emma Stone e Yorgos Lanthimos. Em homenagem à personagem da atriz no filme (que teve de rapar o seu cabelo para fazer a interpretação), um cinema em Los Angeles vai ofereceu bilhetes gratuitos a quem for careca ou quiser rapar o cabelo no momento.

1. Wake Up Dead Man: A Knives out Mystery

Mesmo no final do ano, Wake Up Dead Man: A Knives out Mystery saiu na Netflix após uma passagem limitada nas salas de cinema. É uma sequela independente de Glass Onion (2022) e o terceiro filme da série Knives Out.

Neste novo filme, o detetive Benoit Blanc, interpretado por Daniel Craig, regressa para enfrentar o caso mais desconcertante da sua carreira. A ação desloca‑se para uma igreja no interior de Nova Iorque, onde o carismático Monsenhor Jefferson Wicks é encontrado morto numa sala trancada, num crime que parece desafiar toda a lógica.

Benoit Blanc acaba por trabalhar em conjunto com o jovem padre Jud Duplenticy (Josh O’Connor), e a investigação envolve uma série de personagens suspeitos.

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🎞️ Na Internet, no mundo e na cultura pop

Rui Veloso anuncia concertos em Lisboa e Porto. Rui Veloso, figura maior da música portuguesa, acaba de anunciar dois concertos especiais para 2026, apresentados num formato intimista de trio de guitarras e com palco 360.º

Novo livro de Dan Brown. O “Segredo dos Segredos”, tornou-se num fenómeno editorial, com mais de 4 milhões de exemplares vendidos e 6 milhões de cópias impressas a nível mundial.

Comédia francesa premiada “Uma Ideia Genial”. O Teatro Maria Matos, em Lisboa, recebe a partir de 18 de março a comédia “Uma Ideia Genial”, um espetáculo que parte da premissa de que todos temos um sósia algures no mundo e questiona o que aconteceria se esse encontro improvável se tornasse realidade.

Porque é que trocamos presentes no Natal? Muito antes do Pai Natal, das árvores iluminadas e das compras de última hora, a troca de presentes no Natal já existia como um gesto simbólico.

MEO Arena recebe o maior festival de funk em Portugal. O funk chega à MEO Arena no dia 2 de abril, com a estreia do festival “O Complexo”, uma noite dedicada ao género que junta MC Livinho, MC Tuto e uma maratona de música e dança pensada à escala da maior sala do país.

🎬 Os novos trailers

• Dia D (Universal Pictures)

• Anaconda (Sony Pictures Releasing)

• The Sheep Detectives (Metro-Goldwyn-Mayer Pictures)

Assim começa o primeiro episódio da minissérie brasileira “Ângela Diniz: assassinada e condenada”, realizada por Andrucha Waddington. A produção, lançada em 2025, é inspirada no podcast da Rádio Novelo, Praia dos Ossos, um dos maiores sucessos do true crime brasileiro, que reconstrói o feminicídio de Ângela Diniz às mãos do então namorado, Raul Fernando do Amaral Street, conhecido como Doca Street.

A série acompanha a vida de Ângela Diniz, interpretada por Marjorie Estiano. Nascida numa família abastada, casou cedo e seguiu, durante algum tempo, o percurso considerado “normal” para uma mulher dos anos 60 e 70. Mas cedo percebeu que desejava outra coisa: independência, autonomia e intensidade. Depois do divórcio, muda-se para o Rio de Janeiro, onde se envolve com a elite social e artística da cidade. É nesse ambiente que conhece Doca Street, empresário sedutor, carismático e violento.

O trailer da série deixa clara a escalada da violência. Na contagem decrescente para o Ano Novo, o número 4 corresponde a um murro na porta; o 3, a uma chapada; o 2, a um soco; o 1, ao tiro fatal. Como diz a escritora Tati Bernardi no seu podcast “Desculpa Alguma Coisa”, onde entrevistou a atriz principal, “o trailer conta o que é o feminicídio: o homem que dá o soco na porta, o próximo é na tua cara”. A mensagem é direta: normalizar pequenos atos de violência é o primeiro passo para a tragédia.

Marjorie Estiano acrescenta que Ângela era uma mulher que não aceitava a autoridade masculina e que seguia os seus próprios instintos, algo profundamente transgressor numa sociedade marcada por normas patriarcais. Na série, a relação com a filha ganha particular destaque, um aspeto pouco explorado no podcast e no filme “Ângela” (2023). Segundo a atriz, essa dimensão era essencial para mostrar que a liberdade feminina não anula o papel materno, contrariando estereótipos.

O crime ocorreu a 30 de dezembro de 1976, na casa de praia do casal em Búzios, no Rio de Janeiro. Dois anos depois, em 1979, o caso chegou ao tribunal e transformou-se num dos julgamentos mais mediáticos da história judicial brasileira. No primeiro julgamento, a defesa de Doca Street recorreu ao argumento da “legítima defesa da honra”, tese que viria a marcar profundamente a cultura jurídica e social da época. O veredicto inicial, uma pena branda, gerou indignação pública e desencadeou manifestações por todo o país. Foi neste contexto que nasceu o lema “Quem ama não mata”, que se tornaria um símbolo da luta feminista no Brasil e ajudaria a reverter a decisão em novo julgamento, no qual Doca foi finalmente condenado a uma pena mais pesada.

Numa entrevista à CNN Brasil, Emílio Dantas, que faz o papel de Doca Street revela que o que o fez aceitar o papel do empresário brasileiro foi este ser uma “peça-chave da denúncia contra a violência de género no Brasil”, acrescentando que é uma “forma de gerar debate para que as falhas e os os problemas estejam bem explícitos.”

Esta semana estreou o último episódio da minissérie, que se afirma não apenas como uma obra televisiva de qualidade, mas como um importante documento cultural num momento em que o debate sobre violência doméstica e feminicídio continua urgente.

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🎞️ Na Internet, no mundo e na cultura pop

“Não Fica Bem Falar de…” envelhecimento. O peso escondido em “estás ótima para a tua idade”. O novo episódio do vídeocast da Wells apresentado pela atriz Jessica Athayde, juntou a médica Minnie Freudenthal e a apresentadora Fátima Lopes para falar sobre o tabu do envelhecimento que pode ser algo “maravilhoso”.

O cinema brasileiro conquista novamente os EUA. O ator Wagner Moura e o filme no qual participa como protagonista, “O agente secreto”, estão nomeados para os Globos de Ouro 2026.

Morreu a atriz Glória de Matos. A atriz morreu, esta quinta-feira, vítima de insuficiência cardíaca. Iniciou atividade como atriz em 1954 fazendo parte da criação do Grupo de Teatro da Casa da Comédia.

Prémio Pessoa 2025 atribuído a Lídia Jorge. O Prémio Pessoa 2025, uma iniciativa do Expresso com o patrocínio da Caixa Geral de Depósitos, visa reconhecer a atividade de pessoas portuguesas com papel significativo na vida cultural e científica do país.

Esgotadas entradas para o evento “Natal com The Chosen”. O evento “Natal com The Chosen”, no Taguspark, em Oeiras, esgotou os bilhetes gratuitos para as entradas.

🎬 Os novos trailers

• The Drama (Filme)

• Mother Mary (Filme)

• Supergirl (Filme)

• His & Hers (Série)

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Eleven, Mike, Dustin, Lucas e Max já não são as crianças da primeira temporada de Stranger Things e Stranger Things também já não é a mesma série. À semelhança do que aconteceu com a saga Harry Potter, também as temporadas de Stranger Things foram sendo o espelho do crescimento dos cinco amigos e ficando mais profundas e escuras à medida que o grupo cresce. Definitivamente, a quinta temporada tirou o “infantil” da série infanto-juvenil e confirmou de forma categórica o estatuto da série como um dos maiores fenómenos globais da Netflix

Lançada em 26 de novembro, a primeira parte, composta pelos quatro primeiros episódios, acumulou 59,6 milhões de visualizações nos primeiros cinco dias, estabelecendo a estreia como a mais bem-sucedida de sempre de uma série falada em inglês na plataforma. E tornou-se a terceira maior estreia de toda a história da Netflix, atrás apenas das temporadas dois e três de Squid Game. Este desempenho representa um crescimento de 171% em relação à quarta temporada, que registou cerca de 22 milhões de visualizações nos primeiros três dias.

O impacto da estreia não se limitou à nova temporada, todas as quatro temporadas anteriores voltaram a entrar simultaneamente no top 10 global da Netflix, algo inédito para qualquer série. Entre 24 e 30 de novembro, Stranger Things tornou-se a primeira produção a ter cinco temporadas diferentes no top 10 ao mesmo tempo, com a quinta temporada a ocupar o primeiro lugar.

Sinais de que esperámos todos demasiado tempo pelo regresso das aventuras escritas pelos irmãos Duffer, mas não tempo suficiente que nos fizesse esquecê-las. A narrativa desta última temporada retoma 18 meses após os eventos da quarta temporada. Hawkins encontra-se sob quarentena militar, com soldados a patrulhar as ruas e cercas de quilómetros, enquanto Vecna (Henry Creel) continua a ameaçar o mundo real.

A primeira metade da temporada funciona sobretudo como preparação para o último dos quatro episódios: vai ter questões, achar que não se lembra da narrativa, mas resista, no quarto e explosivo episódio tudo faz sentido. Eleven, Hopper, Joyce e o grupo original enfrentam novas armadilhas, enquanto Will Byers re-descobre a ligação com Vecna e os Demogorgons.

Os episódios iniciais mantêm o espírito clássico da série, combinando ação, suspense, humor e nostalgia dos anos 80 e, claro, não nos falta o Running Up That Hill de Kate Bush.

Will, com a ajuda de Joyce e de Mike, atravessa mais uma vez experiências traumáticas, Max permanece em coma, novas tensões surgem entre Nancy, Jonathan, Steve e Robin. Hopper e Eleven fortalecem a relação de pai e filha e mostram que o amor incondicional não tem a ver com sangue. Dustin e Lucas percebem demasiado cedo a linha que separa o luto da esperança. Há um crescimento considerável em todos os personagens, inclusive nas já não tão pequenas Holly Wheeler e Erica Sinclair. Ação, drama e, claro, os momentos de comédia que nos vão permitindo respirar e rir.

A base da série continua a ser o mesmo a que nos habituou desde o primeiro dia, o mundo balança entre maldade e a bondade e as crianças são simultaneamente esperança e alvo a abater. O grupo inicial já não está tão focado em jogar Dungeons and Dragons, mas sim em viver o despertar das primeiras paixões. Sempre com a amizade e a verdade nas relações como pano de fundo, surge nestes episódios uma nova geração de crianças, como Holly Wheeler e Derek Turnbow.

O quarto episódio desta primeira parte é aquilo a que Stranger Things sempre nos habituou: plot twists, surpresa, ação, amizade e nostalgia. Faz valer a pena todas as questões que tivemos ao longo de quatro temporadas e dos primeiros três episódios desta primeira parte da última temporada. E, acima de tudo, deixa-nos a ansiar pelos próximos episódios, enquanto lamentamos antecipadamente o fim do universo Stranger Things.

A Netflix revelou que a segunda parte da temporada estreia a 25 de dezembro, enquanto o episódio final, com 2h05 de duração, chega a 31 de dezembro de 2025 às 22h, sendo exibido simultaneamente em mais de 500 cinemas nos Estados Unidos. O episódio final promete encerrar a série com uma batalha épica contra Vecna, despedidas emocionantes e o máximo de espetáculo, marcando a conclusão de uma das séries mais populares da última década.

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🎞️ Na Internet, no mundo e na cultura pop

Lux em Lisboa. Rosalía fez o anúncio mais esperado desde que lançou o álbum mais completo da sua carreira. A artista catalã vem a Lisboa em 2026 e os bilhetes vão estar à venda já na próxima semana. Será que vamos contar com Carminho no palco?

2025 Wrapped. Já estão disponíveis as listas com aquilo que ouvimos e quem ouvimos ao longo de 2025. O Spotify mostrou aos utilizadores, esta semana, o balanço personalizado e as redes sociais encheram-se de publicações.

Judi Dench. A atriz britânica, vencedora de Óscar e Tony, falou sobre o agravamento da sua visão devido à degeneração macular (doença degenerativa da área central da retina), uma condição que a levou a afastar-se do palco e da televisão.

Meo Kalorama. O festival já tem datas e regressa ao Parque da Bela Vista, em Lisboa, a 28, 29 e 30 de agosto. Esta semana, dia 10 de dezembro, há novidades acerca do cartaz.

Não fica bem falar de… No novo episódio do videocast da Wells, Marta Bateira (Beatriz Gosta) e a psicóloga Filipa Jardim mergulham num tema que continua a marcar gerações: o preconceito associado às mulheres solteiras, sobretudo depois dos 30 anos. Entre experiências pessoais, reflexão social e análise psicológica, o episódio desmonta a ideia, ainda persistente em 2025, de que uma mulher só é completa quando tem um homem, filhos e uma vida “certinha”.

🎬 Os novos trailers

• The Great Flood (Netflix)

• The Magic Fareaway Tree

• 5ª temporada de Emily in Paris (Netflix)

• 28 Years Later: The Bone Temple